Seguimos trayendo cómic europeo a La Milana Bonita, esta vez con una propuesta tan interesante como deudora con su pasado. Santi Arcas viene de Cartagena para ofrecernos la ración de cómic español que todos esperábamos, y así presentar en sociedad a la niña de sus ojos, su obra más personal, su Vigilia.

Interior de Vigilia

Santi Arcas es un ilustrador español de trayectoria contrastada, aunque no demasiado conocido en nuestro país. Hasta el momento, porque su trabajo como autor completo en Vigilia no desmerece para nada. A algunos puede sonarle su etapa como colorista para la serie Checkmate de DC o Sandra, publicado por Ediciones Glénat. Sin embargo, no es hasta la fecha que Santi Arcas afronta su proyecto más ambicioso con esta novela gráfica donde se nos cuenta la historia de la bella Margarita y sus dos pretendientes: el Duque de Sifón y el Marqués de Peñafloja. El rapto de la joven por parte de Peñafloja desencadena una serie de acontecimientos que durante una extraña noche sumirán a todo el mundo en un trance de locura colectiva.

Me apetecía mucho hacer algo de fantasmas ambientado en la época de los bandoleros. Hasta entonces, ninguno de mis guiones se había situado en España y era una buena ocasión para hacerlo (Santi Arcas).

Arcas se sumerge en la tradición del Siglo de Oro, teatro y costumbrismo por delante, para configurar un extraño viaje onírico a través de una noche de magia y misterio que no solo va a servir para cambiar la vida de los habitantes de un pequeño pueblo, también para retrotraernos por un instante, y salvando las distancias, al célebre viaje iniciado por el avaro Scrooge en Canción de Navidad, de Charles Dickens. Aunque en este relato más que de visiones reveladoras veremos las intimidades de los pueblerinos, que abarcan desde pecados carnales hasta el profundo entramado folclórico de la pequeña comunidad.

Yo pensaba que estaba haciendo un libro sobre el diablo, pero poco a poco me di cuenta de que todo lo que había dibujado en realidad hablaba de otra cosa: De cómo la realidad la creamos con nuestro punto de vista y la razón o lo irracional son dos formas diferentes de construir un mundo igual de real…(Santi Arcas).

Página de Vigilia

El propio Arcas cita al director español Luis García Berlanga, un auténtico maestro del séptimo arte, que con su peculiar mirada se las ingenió para realizar una gran tragicomedia de la sociedad española en cada proyecto que tocaba. El nombre de Francisco de Goya también se cuela por la mayoría de las críticas especializadas sobre este cómic, y es que, sin lugar a dudas los grandes pintores del claroscuro han influenciado en la concepción gráfica de Vigilia. Bandoleros, curas corruptos, borrachos molestos, mujeres de toda clase, el ciego, el loco; nadie falta en la cita con Santi Arcas. Una serie de personajes tan reales que parecen inventados. Personajes del interior, de pueblos recónditos que, a su vez, también nos recuerdan a aquellos pergeñados por la pluma de nuestro respetado Miguel Delibes. Si todo esto te resulta atractivo, te recomiendo que leas esta Vigilia, un cómic hecho con mucho mimo y dedicación. Visualmente impecable.

Puedes leer la entrevista completa a Santi Arcas pinchando aquí

¡ATENCIÓN! SI ERES AMANTE  DE LA LITERATURA Y ERES SENSIBLE A SU MALTRATO TE RECOMIENDO QUE NO SIGAS LEYENDO.

Deadpool VS. Moby Dick

Leer cualquier historia de Deadpool es como mirar una película de cine de serie B. Habrá gente a la que le resulte imposible de ver, calificándola como una gigantesca pérdida de tiempo y mal gusto, mientras que para otros se convertirá en algo completamente fascinante y adictivo. Podemos ver a Deadpool como segundón o como protagonista, da igual el papel que tenga, pero es un personaje que siempre se hace notar. No por nada le llaman “el mercenario bocazas”.

Deadpool fue creado por el artista Rob Liefeld y el escritor Fabian Nicieza en 1991 y, como si se tratara de un absurdo si tenemos en cuenta la popularidad de las películas de superhéroes, este siglo XXI parece ser el escenario ideal para su gran momento de fama. Ahí está el futuro estreno de su película y la gran cantidad de títulos que protagoniza en la actualidad, cosechando buenas críticas y un sólido número de ventas. De hecho, es lo más recomendado junto al Spider-Man de Dan Slott en la actualidad Marvel. A veces Deadpool actúa como la parodia personificada del género de los héroes, otras no. Sin lugar a dudas Deadpool mata a los clásicos, de Cullen Bunn corresponde al primer grupo. ¿No me creen? Pasen y lean.

La historia

En un ataque de “realidad” Deadpool ha tomado consciencia de su existencia como ser de ficción junto al resto de superhéroes. Y es por ello que no ha tenido mejor idea que destruirlo todo para acceder a la realidad verdadera.  En pocas palabras, Deadpool, Wade Wilson, se ha dado cuenta que el Multiverso de Marvel no es más que la creación de algunos escritores y dibujantes, o sea, que su realidad es algo conocido como el “Ideaverso” (si consideramos que Marvel es La casa de las Ideas, el nombre parece más que correcto) y no piensa soportar que su mera existencia sea producida para el divertimento de los demás. ¿Cómo solucionar tal desbarajuste? Pues erradicando el origen de todo el mal y asesinar a los personajes clásicos de la literatura, los responsables de inspirar a los principales personajes de su universo.

Interior de Deadpool mata a los clásicos

Literatura y superhéroes

Y así ocurre, nadie puede evitarlo. Deadpool asesina, uno por uno, a los grandes clásicos. ¿El primero? Don Quijote, el caballero cervantino cae ante la brutalidad del antihéroe. Luego sería el turno del Capitán Ahab; inspiración para crear al Capitán Thunder Ross, la sirenita; que entre risas sería la de Namor o El capitán Nemo a Magneto. Una lista interminable de personajes icónicos que dejan de existir a golpe de espada o ejecución a punta de pistola. El cómic está repleto de referencias a la cultura del cine, una delicia para los que disfrutamos del séptimo arte.

Deadpool mata a los clásicos es una lectura ligera, entretenida y bañada de sangre, sin mayores pretensiones que sacarnos una sonrisa entre referencias literarias y situaciones disparatadas. Las meta reflexiones y la interacción entre los universos paralelos son los puntos fuertes de un cómic que de ningún modo pasará a la historia. ¿Pero hace falta que lo sea para tener un buen rato?

¡A leer!

Lucifer, Satanás, Luzbel, Samael; tantos son sus nombres como diferentes son las interpretaciones que se han hecho en la religión, el arte o la literatura. El Diablo, la esencia única del mal, el encargado de hacer caer a los hombres y enfrentarse a Dios. Pero…¿qué ocurre cuándo descubrimos que ese ser, en realidad, son muchos a la vez? Una premisa tan sugerente como peligrosa ya que acarrea la constante puja por el dominio del Infierno; o no. En el Universo Marvel Mefisto gobierna con tranquilidad entre los demonios, mientras dispone a su antojo las almas de los humanos. En el Universo DC/Vértigo este papel no parece tan claro y es aquí cuando el asunto se pone interesante. Si somos un tanto inexpertos en la materia y, por curiosidad, nos hemos acercado al mundo de The Sandman, Lucifer, Hellblazer o cualquier tebeo DC nos daremos cuenta de que el puesto para ser el Adversario no se vende barato.

HELLBLAZER, DE GARTH ENNIS VOL. 02

El Adversario, el primer caído.

Continuamos hablando de la andadura de Garth Ennis en la historia de John Constantine porque, como bien pueden suponer, la presencia del Diablo está asegurada. Si no recuerdan mucho el inicio de su relación, pinchen a continuación:

HELLBLAZER, DE GARTH ENNIS VOL. 01

Tanto como si son lectores asiduos a Vértigo como si no hay que aclarar el papel del Diablo y entender dónde debemos situarlo. Sobre todo en una serie como Hellblazer, donde su rivalidad con nuestro protagonista es máxima.

Desde la visión de Ennis este demonio es el verdadero Adversario, el primero de los Caídos, ya que cuando Lucifer cayó él ya estaba ahí abajo, esperando su momento. Así, con un solo movimiento, Garth Ennis consigue ubicar su visión del estado del Infierno mencionando no solo la famosa renuncia por parte de Lucifer, sino también la presencia de diferentes demonios como Etrigan. Particularmente me encanta el desdoblamiento, necesario para jugar con la maldad y los tonos grises que tan bien supo aportar el Lucifer de Neil Gaiman y la continuación escrita por Mike Carey.

Triskel en su hogar

Los mejores momentos del segundo volumen:

1. La conversación entre el Adversario y la súcubo Triskel, tan reveladora como necesaria para entender el funcionamiento de las piezas en el Infierno.

2. La trampa que John tiende al ángel Gabriel, con la colaboración de la súcubo Ellie. En ella podemos convertirnos en alumnos aventajados si estamos planeando la caída de un ángel. Por cierto, no olviden traer una gigantesca motosierra para cortar las alas.

3. La celebración del cumpleaños de John incluye la visita de La cosa del pantano y el uso de sus poderes para acelerar el crecimiento de una gigantesca planta de marihuana.

4. La relación sentimental entre Constantine y Kit no solo es creíble, también desgarradora. Lo que nos lleva al siguiente gran momento:

5. El descenso al Infierno de John Constantine, aunque esta vez el mago sucumbe a sus propios demonios. Las viñetas de Constantine convertido en vagabundo, llorando por una última gota de alcohol resultan imborrables.

6. Las consecuencias de poseer sangre de demonio. Creo que John nunca hubiera pensado que su maldición sería su salvación, otra vez. Si te gustan los vampiros, entonces este es tu número.

No podemos terminar esta reseña sin mencionar el significativo apartado gráfico de este volumen, obra del fantástico Steve Dillon, compañero de fatigas de Garth Ennis en Predicador.

¿A QUÉ ESPERAN PARA LEER PREDICADOR?

Seguro que a más de a uno le ha pasado confundir a Jesse Custer con John Constantine en la barra de un bar, pero que no lo haga porque salvo parecidos nada tienen que ver uno con el otro. Con esta lectura Garth y Steve se ratifican como una de las parejas más solventes y atractivas del panorama comiquero de todos los tiempos.

LUCIFER 7, DE MIKE CAREY

Lucifer vuelve a encontrarse con Sandman, como al principio de la historia.

Ahora es turno de dejar al Adversario para centrarnos en Lucifer, el único gobernante del Infierno que ha abdicado. La última vez que dejamos a Estrella del Alba, la situación no era nada buena…

LUCIFER 6, DE MIKE CAREY

…pero al menos teníamos en nuestra mente que, ya sea para bien o para mal, la conclusión era inminente. A continuación destacamos los principales títulos de este séptimo, y último, volumen acompañado para la ocasión por Peter Gross, Zander Cannon y Dean Ormston.

Estrella del Alba: Lucifer se enfrenta a muerte con Fenris mientras Dios plantea la inevitable cuestión: ¿debe reparar o destruir la Creación? ¿Salvación o Apocalipsis? La decisión de Elaine Beloc les hará temblar.

Vísperas: Después de la batalla, Lucifer se dispone a ajustar cuentas pendientes con rivales y amigos: Rachel Begai, Meleos, Izanami, Elaine Belloc y la leal Mazikeen. Esto ya huele a despedida.

Lo único que necesitamos del Infierno: Será una cuestión precedida por el cariño y la nostalgia, pero esta es la historia que más me ha gustado por ser la más necesaria, la que vuelve a conectar a Lucifer y Morfeo con el principio de todo. ¿Les suena Estación de nieblas? Cuando Estrella del Alba recuerda cómo ha llegado hasta este momento, se produce el esperado encuentro con Dios. ¿Sorpresas? ¡A raudales! Como dato, destacamos también la inclusión de la historia Nirvana, dibujada por John J. Muth.

Si han llegado hasta aquí, entiendo que conocen al personaje. Si por algún extraño motivo no saben mucho sobre él, pinchen a continuación:

LUCIFER, DE MIKE CAREY

Bravo a ECC por la preciosa edición con la que ha decidido recopilar esta obra, adquisición obligatoria para cualquier lector y coleccionista que se precie.

¿Todavía quieren más Lucifer? Dicho y hecho:

Portada de El faro, de Paco Roca. Segunda edición española.

No hace mucho comencé una pesquisa extraña y atípica, como la mayoría en las que suelo participar, centrada en la búsqueda de aventuras que tuvieran como punto en común la presencia de un faro. Me daba igual la función que tuviera el cíclope marino, ya fuera el uso de su presencia como complemento del paisaje o el decorado, que su imponente y mágica silueta se convirtiera en el compañero de excepción del protagonista de la historia o, por el contrario y solo en contadas ocasiones, que el mismo faro reclamase su lugar como protagonista del relato. Qué satisfacción descubrir la existencia de El faro, de Paco Roca, aunque fue mayor todavía la beatitud cuando cerré la última página, tan amarga como esperanzadora.

Paco Roca

El nombre de Paco Roca inundó los medios españoles cuando en 2007 Astiberri Ediciones editó Arrugas, la magnífica reflexión sobre la vejez, dueña y señora del Salón del Cómic de Barcelona y Premio Nacional del Cómic en 2008, que cuatro años más tarde se alzaría con dos Premios Goya en su adaptación animada. Lo cierto es que en el camino de este joven ilustrador valenciano encontraremos más de una docena de obras, cada una más personal que la otra, siendo Los surcos del azar lo último que nos ha ofrecido. La sinopsis oficial presume de ser la historia que cuenta como “Los republicanos españoles liberaron París de los nazis”. No obstante, no estamos ante la primera vez que el artista decide comenzar una historia empleando para ello al bando republicano.

El faro

Francisco Guirado es el nombre de nuestro ingenuo protagonista, un joven soldado del bando republicano que intenta huir a Francia. Después de una violenta escaramuza encuentra cobijo en un viejo faro de la costa, donde su torrero lo acoge para, entre otras cosas, hacerle comprender la importancia de los sueños en la vida. La importancia de la luz en la absoluta deriva. Ambos conviven una temporada en el faro, un tiempo en el cual el anciano intentará transmitir su ilusión por la vida al militar, quién ha perdido la capacidad de soñar por culpa de la guerra.

Página interior

Las referencias literarias

Telmo, el nombre del farero, se empeña en recordar a su inesperado huésped, y a nosotros, la facilidad con la que creíamos que todo podía ocurrir cuando seguíamos al Capitán Nemo o emprendíamos la búsqueda del tesoro con el peligroso pirata John Silver. Ulises, Julio Verne, Gulliver, Moby Dick y, cómo no, una botella de ron. Todos y cada uno de los grandes de la literatura marina tienen su momento para ser citados por Telmo, a veces con sentido y otras no tanto ¿El objetivo? Hacernos creer que la isla de Laputa está a nuestro alcance, que todo es posible.

Borges, siempre presente

Paco Roca dedica las últimas líneas del relato a Jorge Luis Borges y a un cuento que sería clave para crear el cómic: Historia de dos que soñaron, inspirado en un relato de Las mil y una noches, que a su vez también serviría para la concepción de El Alquimista, de Paulo Coelho. En estas dos últimas páginas conocemos la historia de un humilde mercader de Constantinopla que, en el sueño de otro hombre, encuentra las respuestas a sus propias fantasías, tesoro incluido.

Los sueños y el faro

Francisco Valiente fue el abuelo de una amiga del autor que luchó en la guerra, huyó a Francia, estuvo en Argelès (un campo de concentración en los Pirineos Orientales) y fue enviado a Marruecos como prisionero. A partir de ahí Roca construye otra historia.

Mucho antes de recibir el Premio Nacional de Cómic, cuando Paco Roca ideó El faro, seguramente no esperaba que su trayectoria profesional siguiera una estela tan marcada, con el beneplácito de la crítica y el respaldo del público. Lo cierto es que El faro pasó casi desapercibido en su momento, aunque años después volvería a reeditarse y entonces, esta vez sí, marcaría el rumbo a sus lectores en un viaje iniciático que, al mismo tiempo, también servía para incentivar y releer las grandes novelas del mar.

¡A leer!

Bonus track: La reedición de 2009 incluye no solo los bocetos y portadas del cómic; también los motivos y lecturas que llevaron a Paco Roca a la escritura de El faro. No suelo ser muy fanático de este tipo de material, muchas veces empleado para engrosar y encarecer las publicaciones, todo lo contrario de lo que ocurre en esta edición. La presencia de Borges y otras tantas explicaciones vienen incluidas aquí. Muy recomendable.

¡EXTRA EXTRA! ¡SUPERMAN, BATMAN Y WONDER WOMAN HAN MUERTO! ¿QUÉ? ¡CÓMO! ¡ACÉRQUENSE A TIERRA 2: EL FIN DEL MUNDO Y DESCUBRAN A SUS HEREDEROS!

¿Qué es Tierra 2?

Se trata de un universo imaginario, propiedad de la editorial norteamericana DC Comics, una realidad alternativa al universo en el que transcurren las historias de la continuidad oficial de la editorial. Es decir, una tierra paralela donde podemos disfrutar de las aventuras de los superhéroes que todos conocemos, pero con muchísimas diferencias. El arquitecto de este nuevo mundo no es otro que James Robinson, un veterano guionista de cómics que ya ha trabajado con los personajes no solo de DC sino también de Marvel. Una vez que Robinson estableciera los pilares de esta novedosa encarnación de superhéroes, Tom Taylor le sustituiría hasta la llegada del joven Daniel H. Wilson, el encargado de narrarnos el apocalipsis de Tierra 2.

Power Girl, versión de Supergirl en Tierra 2, la prima de Superman

Los protagonistas:

Power Girl y La Cazadora: Las grandes protagonistas de Tierra 2 son sus correspondientes versiones de Supergirl y Robin. En un mundo sin Superman y Batman, Kara Zor-L y Helena Wayne, hija del  Murciélago y Catwoman, alzan fuerte la voz.

Thomas Wayne, Val-Zod y Lois Lane: El padre de Bruce Wayne, otro superviviente de Kryptón y la mente de la reportera más intrépida del planeta encerrada en el cuerpo de un robot son los elegidos para formar equipo con nuestras protagonistas.

Alan Scott y los avatares: El Linterna Verde de esta realidad ha sido elegido como uno de los representantes del planeta, los avatares de la Tierra. El Rojo, el Gris, el Azul, el Blanco y el Verde son los miembros del grupo más raro y original de Tierra 2.

Darkseid: Es el villano cósmico por excelencia de DC, rival clásico de Superman y el responsable de la “muerte” de Batman, antes del reinicio de la editorial. Líder del planeta Apokolips y poseedor de un buen surtido de poderes, Darkseid es la imagen absoluta del tirano.

Prólogo a Tierra 2: El fin del mundo

Hace cinco años, Robin y Supergirl abandonaron su mundo durante la invasión del villano conocido como Darkseid, para terminar recalando en un planeta que les era ajeno. Hoy todos las conocemos como Cazadora y Power Girl, dos superheroínas que han hecho lo imposible para regresar a su hogar, un objetivo que consiguen en la última página del cómic Las mejores del mundo: Regreso a Tierra-2. ¿La sorpresa? Que, evidentemente, nada es como lo recuerdan.

Las andanzas de Kara y Helena en el universo tradicional tienen su conclusión aquí. Un volumen imprescindible si deseamos leer de modo lineal el regreso de ambas heroínas, aunque para ello tengamos que esperar al final. Lo peor es el intento forzoso por dejar una sustituta de Power Girl, que poco o nada tiene que ver con la original, y el baile constante de los dibujantes.

Tierra 2: El fin del mundo (1 y 2)

Y por fin llegamos al primer número de Tierra 2: El fin del mundo. Ya desde la apertura de la primera página podemos intuir lo que nos esperará, tanto en este como en los siguientes tomitos: ritmo vertiginoso, acción a raudales y dibujos espectaculares.

La llegada de Power Girl y la Cazadora no podía ser más apropiada, ya que las huestes de Darkseid y Apokolips han vuelto a invadir su querida Tierra. Ni siquiera el sacrificio conjunto de los grandes héroes del planeta parece haber impedido el renacer del poderoso villano, que ha vuelto más implacable que nunca. Bravo por el trabajo conjunto de los guionistas por contarnos una buena historia de superhéroes, sin elocuencias ni metáforas existenciales, concebida tan solo para el disfrute de todos los que respetamos el género. También hay que destacar el elenco de dibujantes compuesto por Andy Smith, Ardian Syaf, Eddy Barrows, Eduardo Pansica, Jan Duursema, Jorge Jiménez, Marcus To, Paulo Siqueira, Robson Rocha, Scott McDaniel, Tyler Kirkham. Después de leer esta extensa lista cabría preguntarnos si esto implica un verdadero problema, si rompe la armonía de la historia, y la verdad es que, aunque a veces pueda darnos esa sensación, en líneas generales no resulta un inconveniente.

Helena interactuando con su abuelo, el coqueteo entre Kara y Val, la nueva Lois Lane, el origen de las Furias de Apokolips, Alan Scott y el trabajo en equipo con el resto de avatares, entre los que hay que incluir un monstruo marino que responde al nombre lovecraftiano de Azathoth, son solo algunos de los grandes momentos que nos deparan el desarrollo de ambos números.

Tierra 2: El fin del mundo (3)

El plan para el resurgimiento de Apokolips llega a su recta final con el despertar de Darskeid. Como no podía ser de otra forma, el villano hace su aparición, en contra de lo que propios y extraños tengan que decir. Y para que ocurra el despertar de un mundo, otro debe perecer y ,entre tanto apocalipsis, el miedo y la delincuencia no se hacen esperar. Un escenario ideal para que se luzcan las nuevas versiones de Dick Grayson y Ted Grant, Nightwing y Wildcat respectivamente en el universo tradicional, aunque una de las grandes sorpresas nos la llevamos cuando descubrimos que el auténtico Superman sigue con vida. No obstante, el kriptoniano se encuentra en un estado decadente, víctima de los cientos de experimentos que Desaad, el científico loco privado de Darkseid, además de uno de los mejores personajes de la historia, ha practicado con su cuerpo.

Tierra 2: El fin del mundo (4)

La portada de esta cuarta entrega resulta bastante reveladora: Superman ha vuelto a morir para confirmar a Kara como su legítima heredera. Los héroes lloran al héroe caído sin tiempo apenas para lamentaciones, ya que los constantes envites de las fuerzas de Darkseid no les permiten descansar. Este es uno de los puntos más atractivos de la lectura de Tierra 2: El fin del mundo, esa sensación abrumadora y constante de que, pese a los intentos combinados de una docena de héroes y poderosos ejércitos, la victoria final será solo para Darkseid. Que a día de hoy un grupo de guionistas sea lo suficientemente habilidoso como para crear tensión en el lector de ese modo, después de cientos de lecturas similares, ya es digno de aplauso. Por otra parte no terminan de convencerme las versiones de Flash y Hawkgirl de este mundo, un tanto descafeinadas y con pocas novedades respecto a las versiones de sus compañeros.

Tierra 2: El fin del mundo (5)

La terraformación de la Tierra es ya irreversible y poco falta para que la vida desaparezca. Thomas y Helena Wayne dejan de lado sus diferencias para encontrar a Oliver Queen, el único hombre al que Batman confió su bien más preciado antes de morir. La capacidad de previsión del cruzado de Gotham parece no tener límites e incluso muerto el destino del mundo depende de él. De este volumen me gustaría destacar la historia centrada en el Dr. Destino, la más mística y atractiva del conjunto de relatos, que siembra verdaderas dudas sobre las intenciones del Yelmo de Nabú. Power Girl y Val funcionan bien como equipo, entre rayos y flirteos, consiguen  virar el sentido de la tradición y convertir a Kara en la auténtica merecedora del símbolo de Superman. Después de tantos años en el limbo, el personaje merecía cierta reivindicación.

La cuenta atrás ya se ha iniciado. Solo nos aguarda la conclusión de la historia en el próximo número, entonces será el momento de extraer conclusiones.

…¿o si? En La Milana Bonita hemos escrito a menudo sobre el trabajo del escritor y guionista británico, pero no tanto sobre la labor del ilustre Dave McKean, un artista tan completo como complejo y abstracto.

Portada de ECC

El hecho de que McKean también sea inglés no debería ser considerado como un hecho fortuito, ya que su vínculo con Gaiman trasciende el laboral y si escarbamos en su historia no tardaremos en encontrar datos y anécdotas que les unen desde muy jóvenes. Por ello, no debería extrañarnos el poderoso magnetismo que alcanzan uno y otro cuando trabajan juntos. El arte de Dave McKean es reconocible, siempre. Imágenes cautivantes, de una plasticidad abrumadora, un collage de figuras reales y oníricas, apoyadas siempre por una base de pintura y un aparente desorden. ¿Alguien todavía no ha leído Arkham Asylum o se ha extraviado por aquellas laberínticas portadas realizadas para la colección de The Sandman? Grandes Artistas de Vertigo: Dave McKean recoge un selecto grupo de historias donde su arte puede lucirse.

Los mejores:

Un vaso de agua, colaboración con Grant Morrison descatalogada hace mucho, motivo de sobra para que cualquier coleccionista quiera echar un vistazo a este relato breve, donde el lector puede disfrutar de la ruptura de la cuarta pared. No es el McKean pletórico, pero vale.

El arte McKean

Abrázame, número 27 de Hellblazer, esta vez escrito por Neil Gaiman. ¿Más John Constantine? Sí, más y mejor. Terror clásico, acompañado de un dibujo soberbio. Muchos comprarían el volumen solo por esta historia.

El mago. Otro número de Hellblazer, esta vez el 40, escrito por Jamie Delano. Interesante historia que nos presenta a John conociendo una versión envejecida de si mismo. Muy evocadora, lenta, emotiva. En un futuro no muy lejano se recopilará la etapa de Jamie Delano a cargo del hechicero más gamberro, mientras tanto podemos disfrutar con este relato. Gran McKean.

El volumen incluye varias historias de The Sandman, todas ellas muy flojitas, en especial el número titulado Muerte habla sobre la vida, el 46, dedicado al peligro que entrañan las enfermedades de transmisión sexual. Tan didáctico como aburrido. Sin lugar a dudas lo mejor de Dave McKean para el universo de Morfeo han sido y serán sus portadas. Simplemente maravillosas.

Otra vez ángeles

Misterios de un asesinato

Y volvemos a Neil Gaiman con Misterios de un asesinato, una historia que vuelve a explorar el reino de los ángeles y las tentaciones que les llevaron, al menos a uno de ellos, a caer en lo más profundo del abismo. Seamos sinceros, no estamos ante su mejor guion, pero tampoco el peor, si es que tiene algo que podamos considerar como tal. Neil Gaiman huye de los apelativos negativos porque, básicamente, no ofrece motivos para ello, siendo él mismo su principal obstáculo. Un problema solo subsanable por su talento e ingenio. Por otra parte, el trabajo gráfico de P. Craig Russell es exactamente el mismo que hiciera en Sandman: El cazador de sueños: bonito, adecuado y cumplidor. Muchos le alaban por saber adaptarse a la perfección al tono de historias planteadas por el británico, pero a título personal, no es de mis predilectos. En ningún caso me acercaría a esta obra con la excusa de su participación, aunque sí lo haría, dejando de lado el afán completista que siento sobre el material firmado por Gaiman,  por constatar cómo en sus trabajos menos brillantes el escritor inglés siempre consigue fabricar historias solventes, atractivas y tan originales. This is the Gaiman touch.

Portada, de la editorial Ponent Mon

No existen muchos cómics que centren su atención en un faro o sus alrededores. Por eso continuamos rescatando del olvido las principales viñetas dedicadas al gigante de la luz, misterioso habitante arquitectónico que no pertenece a nadie, anclado en ese punto que separa a la tierra del océano infinito. Un tributo necesario para una figura tan cautivadora como poco explotada en los lindes de la historieta. Con todos ustedes Tres destellos blancos, de Bruno Le Floch.

La historia

A principios de siglo XX, un ingeniero francés es destinado a la zona más profunda y recóndita de Bretaña, con la misión de construir un faro imposible, una obra de ingeniería en mitad de la nada, literalmente. Con los precarios medios de la época, nuestro protagonista tiene que confiar en la determinación de los marineros locales para lleva a cabo la monumental misión que le ha sido encomendada. Una lucha de esas que tanto gustan (¿recuerdan el programa dedicado a Jack London o la reseña a Lobo de mar?), en las que el hombre debe enfrentarse a la naturaleza, pero también a la condenada administración pública, fuente de la cual proviene el presupuesto para levantar el faro.

El ritmo narrativo

Tres destellos blancos no es un cómic trepidante, de los que no te dejan respirar y tienes que pasar a la página siguiente casi de modo compulsivo. No, Tres destellos blancos no es un cómic de esos, definitivamente. No obstante, eso no quita que estemos ante una historia correcta, bien construida y, aunque predecible, con un ritmo lo suficientemente bueno como para leerla de una sentada. Para conseguirlo Bruno Le Flock hace uso del recurso epistolar, una herramienta ideal para que simpaticemos con el protagonista, un auténtico extraño entre los habitantes de la profunda Bretaña. Las cartas se suceden, una tras otra, mientras el ingeniero se empeña en construir un faro en una ubicación completamente desapacible.

El dibujo

En este punto todos coincidimos en ver la influencia de Hugo Pratt y Corto Maltés a través de los lápices del francés. Dibujos sencillos sin demasiado detalle, pero con la eficacia suficiente para agilizar la lectura en los momentos necesarios. No hace falta imprimir mucho rigor para representar una sonrisa, una pelea o una escena romántica, algo que Le Flock sabe compensar con el uso adecuado de los colores en cada momento. Ni los paisajes, vestimentas o el color de los cabellos son fortuitos, sirviendo por igual a la necesidad que tiene el autor por hacer una clara diferencia entre los hombres de tierra y la gente de agua salada, entre los foráneos y la fuerza de la naturaleza. En este sentido el autor nos sorprende con unas espectaculares páginas completas dedicadas al poder desatado del mar.

Una cuestión de tiempo

La regla dicta que el faro podrá emitir tres destellos blancos cada 12 segundos, así como serán 20 los días que disponga al año nuestro ingeniero para llevar a cabo la colosal tarea. En el medio, como el propio faro, transcurrirá todo lo demás. Tiempo, lucha, tierra, mar y la luz de la esperanza.

¡A leer!

Portada de la última reedición a cargo de ECC

Imagino que muchos de ustedes habrán sido seducidos ante la contundencia de “El mejor Batman”, un encabezado llamativo, pretencioso y rotundo. Pero lejos de entrar en debates y parrafadas interminables que se desesperen por refutar mi elección, preferiría limitarme a enumerar los motivos que respaldan la caracterización que aquí se hace de Batman sea una de mis preferidas. Además, como bien saben, el pasado 26 de septiembre la editorial DC Comics celebró por todo lo alto un evento global para celebrar el denominado “Batman Day“, una excusa perfecta para escribir sobre el encapotado y los superhéroes.

Batman en Grandes autores de la Liga de la Justicia: Grant Morrison

El guionista escocés no es ningún desconocido para el personaje, responsable de títulos de perfecta manufectura como Arkham Asylum, Batman R.I.P. o El regreso de Bruce Wayne. Por eso no es de extrañar que quiera rescatar la primera historia que hiciera Grant para La liga de la Justicia, su queridísima y ya mítica JLA. Ya hemos dicho por activa y por pasiva que Batman funciona mucho mejor como personaje individual, que el tono detectivesco y oscuro se potencia cuando cabalga solo sobre los tejados de Gotham. Pues no, hoy no es uno de esos días. Cuando el guionista escocés se hizo cargo de la famosa formación de superhéroes en 1997, también decidía que Batman sería una especie de asesor del grupo, un mentor para los jóvenes miembros pero el responsable de salvar al grupo en situación in extremis. El primer arco argumental de esta JLA estaba centrado en la llegada del Hiperclán, un grupo de extraterrestres superpoderosos dispuestos a salvar la Tierra de todo mal. Obviamente tales planes terminarían por revelarse como unos no tan altruistas, lo que llevaría inexorablemente al conflicto y posterior derrota de Superman y compañía. En pie solamente quedaba el único ser humano sin poderes del equipo. Sí, intuyen su nombre, lo saben. Ahora pronúncienlo en voz alta: BATMAN. Aquella historia engrandecía su figura, llevándolo a otros niveles, definido por el mismísimo Hombre de Acero como “…el hombre más peligroso del planeta”.

El Batman de la JLA es:

1. …inteligente e implacable. Siempre tiene un plan o un arma secreta bajo la manga.
2. …un auténtico detective. Si no tiene dicha arma, tranquilos, él la encontrará.
3. …una criatura de la noche. Misterioso, casi demoníaco, se camufla perfectamente bajo las sombras.
4. …invencible. Ni más ni menos, este Batman no puede caer.
5. …incluso divertido gracias al contraste con el que lo retrata Morrison. Sus diálogos son impecables.

Interior del cómic

De este volumen también hay que destacar el capítulo titulado Historia imaginaria, una historia en la que el escritor rescata al villano conocido como La Llave para ofrecernos un relato donde enfrenta a los héroes a sus principales deseos y miedos, mediante unas sofisticadas recreaciones oníricas. En el caso de Batman viajamos a un posible futuro donde Tim Drake se ha convertido en su sucesor y un joven Bruce Jr. en Robin. ¿Y el Joker? Viejo, cansado, enfermo de cáncer terminal y con una bomba sujeta al pecho. Pero su protagonismo no se ve reducido a estas historias, ya que si por algo se caracteriza la etapa de Morrison es por la presencia del guardián de Gotham en, prácticamente, cada número. Batman siempre tiene algo que decir, bien sea desde las sombras de la Baticueva o desde la Atalaya espacial.

Batman Réquiem

Portada de Batman Réquiem

Para terminar, especialmente dedicado a quienes hayan leído nuestros especiales dedicados a la figura del Joker, les dejamos con la última reedición trimestral de Batman, en esta ocasión dedicada al luto del hombre murciélago tras la muerte de su hijo, Demian Wayne. Muchos han criticado los números aquí recogidos y razón no les falta. La muerte de un Robin, y más este, merecía algo más emotivo y épico. Aquí solo podremos encontrar una breve historia que nos presenta un Batman desquiciado, que lucha las 24hs contra el crimen. La historia de Clayface mejora el volumen al igual que los centrados en el Pingüino Emperador y Man-bat dejando el “réquiem” en un escalón muy por debajo de lo esperado. Scott Snyder baja el listón al que nos acostumbraba, con una historia demasiado superficial para tal evento. Todo lo contrario que James Tynion IV que mejora notablemente el guion con su Pingüino Emperador, un personaje nuevo, estereotipado pero que aporta algo nuevo a la particular mitología del ya clásico Pingüino. El apartado gráfico de diez puntos con la participación de los siempre estelares Greg Capullo y Andy Kubert.

Portada

Si te gustan los dinosaurios este es tu cómic. Si te llaman la atención los platillos volantes este también es tu cómic. Si te enloquecen las películas de Indiana Jones tira del látigo porque tienes que acercarte a este cómic. Y si encima eres aficionado a las novelas del tipo El mundo perdido, de Arthur Conan Doyle o Parque Jurásico, de Michael Chrichton, definitivamente querrás darle una oportunidad a este cómic. Pero si lo que buscas es una historia novedosa y poco predecible, entonces no sigas leyendo porque, casi con seguridad, este no será tu cómic.

Quién es quién

Luís Eduardo de Oliveira, más conocido como Leo, es un artista brasileño afincado en Francia, creador de la serie Aldebarán, todo un clásico para los aficionados de la ciencia ficción y el cómic europeo. Al otro lado nos aguarda el francés Rodolphe, un guionista reconocido por los ocho largos álbumes realizados en Trent. Una colaboración que ya les había unido a ambos durante casi una década antes de la creación de Kenia, el cómic que hoy nos concierne, mezcla de ciencia ficción, aventuras y muchos espías.

Leo y Rodolphe firman una exitosa serie ambientada en 1947 para relatar los misterios que rodean la desaparición de un safari en las inmediaciones del Kilimanjaro. Enésimo misterio acontecido en la zona, que suscita el interés de las grandes potencias internacionales, sumidas en plena Guerra Fría…

¿Es Kenia una buena historia?

La combinación de géneros propuesta por los guionistas resulta, a priori, bastante atractiva y efectiva, incorporando con acierto la dosis necesaria de aventuras exóticas y el ingrediente fantástico tan característico de las historias de mundos perdidos y parajes olvidados. La propuesta de Rodolphe y Leo funciona especialmente bien en los dos primeros álbumes de la historia en los que la acción está focalizada en el misterio de la aparición de las criaturas imposibles y la amenaza que estas representan para el mundo moderno. Al principio todos nos engancharemos al carro de Kenia con la esperanza de descubrir algo insólito, misterioso y sorprendente. Lamentablemente nada de eso ocurre y con el comienzo del tercer álbum los elementos de ciencia ficción afloran por todos sitios, al mismo tiempo que estos se nos descubren tan monótonos y rutinarios como siempre, demasiados previsibles.

Interior del cómic

La inclusión en la trama del elemento alienígena desestabiliza considerablemente un relato que funcionaba muy bien solo con los dinosaurios y las leyendas africanas. Además, comienzan a aparecer una buena cantidad de personajes que poco o nada nos aportan en su comparación con los protagonistas. Perfilados tímidamente, estereotipados hasta el hartazgo, ninguno de ellos convence. El final y las explicaciones a tanto misterio suben un poco el nivel, pero poco más. Eso sí, si eres un amante de la línea clara, esa que no se complica con estridencias gráficas y prefieres un tono clásico y más sobrio, entonces gozarás con cada viñeta de Kenia. Grandes escenarios naturales, animales de todo tipo, indumentarias y vehículos de la década de los 40, todo con mucha finura y elegancia, gracias al talento de Leo.

La edición

Hoy nos llega esta reedición de Kenia en un único tomo de la mano de ECC, recopilando así los cinco volúmenes de antaño. El encanto de Leo y Rodolphe se adapta perfectamente a este nuevo formato, criticado por muchos debido a la reducción que sufrieron las páginas originales para encajar  en la edición. Cuestión de gustos.

¡A leer!

…para Aquaman y Firestorm. Recuperamos la maxiserie de 25 entregas que entre 2010 y 2011 completó la línea argumental ideada por Geoff Johns, acompañada del talento de los dibujantes Peter J. Tomasi, Ivan Reis o Patrick Gleason. Una apuesta segura si quieres pasar una gran tarde rodeado de superhéroes.

El día más brillante

¿Qué es El día más brillante?

La historia parte del desenlace visto en La noche más oscura: 12 individuos fueron resucitados por la luz blanca de la vida, convirtiendo a muchos de los héroes zombis en personajes totalmente nuevos. Eran Aquaman, Capitán Bumerán, Deadman, Detective Marciano, Firestorm, Halcón, Hawkman, Hawkgirl, Jade, Osiris, Maxwell Lord y Profesor Zoom. Pero ¿por qué ellos y no otros? Un reparto coral con muchos protagonistas, cada uno con su propia historia, intentarán desenterrar los secretos en torno a su resurrección.

¿El regreso de Aquaman?

Mencionábamos al comienzo del artículo que este era sin duda el día más brillante para el rey de los siete mares y no lo decíamos porque sí. Desde el lanzamiento de la serie, Arthur Curry volvió a la primera línea de batalla, renovado como no podía ser de otro modo por Geoff Johns, que ya había conseguido sacar del ostracismo a Green Lantern y Flash. En dicha cabecera el guionista plantaría uno de los principales cimientos para el monarca: su relación con Mera, inseparables desde entonces. Ya sea en la cabecera New 52 como en esta etapa previa, Johns reconciliaba a Aquaman y Mera para formar una de las mejores parejas en el mundo de los superhéroes, retratados espectacularmente por Ivan Reis. Además, el nuevo poder de Aquaman, la invocación de animales marinos muertos, se convierte en uno de los alicientes de la trama que, poco a poco, comienza a conectarse con el resto de personajes.

La furia de Firestorm

Firestorm, gran personaje

¿Se imaginan ser salvados de una larga caída por un colchón de chicle? Con esta tarjeta de presentación nos introducimos en el universo de Firestorm, uno de los héroes más destacados del grupo de los revividos. Conocido como “El hombre nuclear”, este big bang andante, llamado así por el mismo profesor Martin Stein, te atrapa desde las primeras viñetas gracias al carisma de sus protagonistas. Sí, protagonistas, porque Firestorm nace de la fusión de Jason Rusch y Ronnie Raymond, el listo y el macarra del instituto. Dotados con el poder de dominar la materia tanto a nivel atómico como subatómico ¿Ahí es nada no?; uno de los rasgos más llamativos, y me atrevería a decir el responsable de las críticas positivas, radica en las divertidas conversaciones entre ambos. No olvidemos que mientras uno aporta el cuerpo, el otro personaje asume su identidad en una especie de conciencia compartida, haciendo la función de asesor o consejero. Vamos, un Pepe Grillo 2.0. Un héroe diferente al resto, con el que aprendes algo de ciencia mientras te saca una sonrisa. Un eterno secundario que merece mayor atención y que, por suerte, El día más brillante se la da. Peligrosos conflictos y viejos rencores entre las dos mitades, nuevas habilidades y el acecho de un enemigo muy íntimo son las excusas fundamentales para pasar un buen rato junto a Firestorm.

Portada de Vorágine

Más Aquaman

Después del fin de la etapa de Geoff Johns e Iván Reis, Jeff Parker tomó las riendas de las aventuras en solitario del héroe acuático de DC. Personalmente siempre me quedaré con la versión salvaje que nos ofrecía el escritor Peter David, con un Aquaman melenudo, barba imponente y un garfio amenazador, pero inmediatamente después escogería la de Johns. En Aquaman: Vorágine, Jeff Parker ahonda en el pasado atlante del héroe, e incluso le hace formar pareja con Wonder Woman, pero hay algo en el conjunto de historias que plantea que no termina de encajar igual de bien. Como si esto fuera poco no le favorece en absoluto el cambio constante de dibujante. Si Ivan Reis se convertía en uno de los motivos principales para acercarse a su serie, los nuevos encargados no dan la talla y pierden en una comparación imposible de ignorar. Por suerte, con el inicio de la trama que da nombre al volumen, el nivel del relato sube. En conclusión, queremos más Atlantis y menos aventuras terrestres, más reinos perdidos y menos tramas superheroicas. Un ambiente, repleto de mitología y magia, donde Aquaman pueda moverse como pez en el agua.

Menuda sorpresa me he llevado con lo último de Ariel Olivetti. No hay nada en su propuesta que pueda resultarnos ajeno a nuestro interés. La magia, la aventura y la revancha indígena se juntan en un relato épico por la lucha de América. El mito y la historia también se dan la mano para seducir a cualquiera que se deje llevar por una historia donde el aborigen puede convertirse en el héroe. Sin nombres grandilocuentes ni el poder del sol. Ich.

Una muestra de Ich

Todo comienza con la ya manida persecución del grupo de conquistadores españoles y la bella joven india ¿Y qué ocurre a continuación? Que un gigantesco oso les destroza y la salva, pero uno de los villanos logra escapar y alerta a sus superiores, que no dudan en llamar al peor de los inquisidores para que le de caza. Así comienzan las aventuras de Ich, de la mano de Luciano Saracino y el espectacular Olivetti.

¿Quién es Ich?

Ich es un nativo de la Amazonia incaica que lleva un conjunto de máscaras en su bolsa. Cada máscara le sirve para convertirse en lo que la máscara representa: un oso, un águila, entre las muchas bestias que se esconden en su poder. ¿Pero es Ich dueño de sus actos o son las criaturas en las que se convierte los que le usan como recipiente? Los viajes alucinógenos y las profecías no faltan en una historia que, por momentos, nos recuerda estéticamente a la fantástica película Apocalypto ¿No creen? El argumento de Ich es clásico, pero fluido; sencillo, pero emocional; muchas veces pronosticable pero repleto de acción. Ya les advierto que no vamos a encontrarnos personajes muy elaborados, sí con carisma pero poco más. En este apartado nos quedaremos con Sebastián De Loup, el inquisidor, probablemente el más trabajado en este aspecto, además del gran ganador del relato.

Siempre he sentido una especial debilidad por el dibujo de trazo firme de Olivetti, con sus personajes gigantescos, de mandíbulas duras y expresiones de tipo malo. Monstruos aterradores, y grotescos, pero a la vez gráciles y elegantes, como solo el ilustrador argentino puede hacer. En sus páginas querremos ver a Frank Castle, Thor o Lobo, pero mejor no pierdan el tiempo y disfruten de sus bestias.

Más de Ich

Para nuestro público milanesco el nombre del guionista puede sonarle ciertamente desconocido, pero no tanto ya que hablamos hace muy poco de uno de sus últimos trabajos: Germán: Últimas viñetas, la serie de televisión argentina que tuvimos oportunidad de mencionar en nuestro programa dedicado a El eternauta, de Héctor Germán Oesterheld. Por otra parte, Olivetti, no necesita tantas presentaciones, un dibujante conocido en el mundo entero del cómic por su famosa participación en la creación de Cazador y sus retratos de Batman, Punisher y Venom, que lo han llevado a lo más alto a nivel profesional del cómic mainstram norteamericano.

¿Dónde nace Ich?

Pero si lo más destacado de esta nueva incursión en la historieta argentina nos la deja Olivetti, Saracino nos deleita con la redacción de un Bestiario al final del volumen que sirve como broche de oro para una lectura completa. En el mismo, el escritor nos cuenta de primera mano el proceso creativo de Ich, una profunda curiosidad que tanto él como Ariel compartían sobre una serie de máscaras precolombinas, cuya existencia remota e incierta concluyen en la rubrica de esta historia. Pasión, obsesión y tenacidad por los monstruos y dioses americanos. ¿Escuchan ese sonido? ¡Es el canto de la selva! ¡Es la voz de la naturaleza! ¡Corre Ich y salva a tu pueblo!

¡A leer!

Ariel Olivetti y Luciano Saracino durante uno de sus encuentros

“Ich” es “una de superhéroes en la época de la conquista española”. Tiene todo lo que te podés esperar de un cómic de superhéroes. Pero acá el muchachito es un nativo de estas tierras y, el malo, la coyuntura que lo rodea. Hay monstruos, peleas, chicas que se bañan, malos MUY malos, más peleas y cosas raras que te van a hacer preguntarte acerca de la salud mental de sus creadores.

Portada de el nuevo número de ‘Astérix y Obélix’

Ya van 36 volúmenes resistiendo al invasor. En total, 56 años venciendo a los romanos y haciendo que su apodo, “irreductibles”, siga intacto. Es evidente que estoy hablando de Astérix y Obélix, posiblemente la historieta francesa más famosa de todos los tiempos (‘Tintín’ es belga), traducida a un sinfín de idiomas, presentes en la gran pantalla del séptimo arte y en las estanterías de mayores y pequeños que siguen disfrutando después de tantos años de sus aventuras. Ahora regresan con una nueva entrega, ‘El Papiro del César’, dispuestos a demostrar que siguen tan lozanos como siempre. Que no, romanos, que no se rinden…

La pareja gala, creada por Albert Uderzo y René Goscinny a finales de los 50, debutó por primera vez en el 59 en la revista Pilote fundada ese mismo año por el propio Goscinny. En aquellos años, este tipo de revistas eran una escaparate imprescindible para dibujantes y guionistas de cómic, pues todo aquel que quisiese triunfar como serie independiente debía darse a conocer en ellas. De hecho, en Pilote debutaron otros clásicos del cómic francés como el vaquero Lucky Luke (ilustrado, entre otros autores, por el propio Uderzo). La primera aventuran que protagonizaron Astérix y Obélix fue ‘Astérix el Galo’, que dos años después debutaría en su propio álbum vendiendo 6000 ejemplares en Francia.

El fallecimiento de Goscinny y su legado

“¡Qué nariz!”

Desde entonces ha sido un no parar, desde el tantas veces adaptado al cine ‘Astérix y Cleopatra’ (1965), hasta ‘Astérix en los Juegos Olímpicos’ (1968) o ‘Astérix en Bélgica’ (1979). Precisamente, este último fue ya obra póstuma de René Goscinny, quien fallecía en el año 77 durante una prueba de esfuerzo médica. Tenía solo 51 años, y su fallecimiento fue un duro revés no solo para su compañero Uderzo, sino también para toda la Galia. Dejó varias obras sin terminar (incluido el número de Astérix mencionado), y sus compañeros decidieron terminarlas para rendirle un merecido homenaje.

Los autores de Astérix y Obélix, René Goscinny (izq) y Albert Uderzo

Por aquella época Astérix ya era una estrella mundial y el legado de Goscinny, gracias también al impulso de Uderzo, sigue intratable. ¿Qué hace de esta historieta algo tan especial? Posiblemente su sutil parodia de la actualidad a través de los ojos de la historia antigua y las dosis necesarias de un humor que no pasa de moda. ¡Qué placer volver a coger un álbum de los galos y reír, de nuevo, como un niño! Su nueva aventura, ‘El Papiro del César’, es ya el segundo número que firman Jean-Yves Ferri (texto) y Didier Conrad (dibujo) como coautores (el primero fue ‘Astérix y los Pictos’, publicado en 2013). Ambos fueron contratados en 2011 cuando la editorial de Uderzo fue vendida al grupo Hachette. No obstante, como fieles aprendices de los maestros, vuelven a estar a la altura de las circunstancias.

Una nueva aventura

Viñeta del nuevo número, ‘El Papiro del César’

La nueva aventura comienza con la inminente publicación de un libro (papiro) escrito por el mismo Julio César. En él, hay un capítulo en el que reconoce que no ha conquistado TODA la Galia. Sin embargo, su consejero Promoplús, nuevo villano, le aconseja omitir dicho apartado para así llevarse toda la fama. Ávido de gloria, el César decide hacerle caso, pero cierta filtración pondrá en un aprieto al codicioso Promoplús. La información es uno de los principales protagonistas de este nuevo número, adaptando a la actualidad, como viene siendo habitual en la serie, el argumento. Palomas mensajeras, guiños a las redes sociales, al periodismo e incluso a Wikileaks.

Tal y como han reconocido los autores, uno de los personajes principales de la historieta está inspirado en Julian Assange, director de la célebre plataforma de información. De hecho, en un principio pensaron en llamarle Wikilix, pero finalmente cambiaron de opinión. El nombre final del personaje es Doblepolémix, y como os podéis imaginar, la filtración del capítulo eliminado por el César tiene que ver con él. ¿Está en peligro el prestigio del Imperio Romano? Los lectores tendrán que adivinarlo. Solo diré que ‘El Papiro del César’ es un homenaje en sí mismo a todas las hazañas de los famosos galos y, por tanto, a la obra de Goscinny y Uderzo.

En cuanto al dibujo, el reconocible estilo de todas las historias se ha mantenido, con esa pulcritud inconfundible y viñetas con los detalles justos para que disfrutemos de la aventura, sin adornos barrocos de ningún tipo. La variada paleta de colores, vivos y llamativos, repite de nuevo en una aventura que cuenta con una gran variedad de localizaciones. Por supuesto, no faltan los jabalíes, los apaleados romanos o las peleas de la aldea gala.

Cualquier fan tiene una buena excusa para seguir disfrutando de las aventuras de los irreductibles y los que aún no lo son están tardando, pues estamos hablando de uno de los iconos del cómic europeo, que nada tiene que envidiar al estadounidense. Tiembla Superman, nos sobra poción mágica…

Hace varios años, cuando recién empezaba a familiarizarme con John Constantine de un modo más regular, me topé en una biblioteca con los volúmenes que editaba por aquel entonces Planeta y que hoy recopila ECC. De entre todos los que había, escogí uno firmado por Brian Azzarello sin saber que, desde aquella lectura, John ya se había convertido en uno de mis personajes preferidos. Había acertado de pleno.

Portada de Planeta, que recogía la etapa de Brian Azzarello en dos volúmenes

Brian Azzarello rompe por lo sano con el entorno del mago, anclado en los suburbios marginales de Londres, para llevárselo de viaje hacia América, su América.  No es nada nuevo hablar del ingenio y la calidad del escritor de Joker, junto al lápiz mágico de Lee Bermejo, 100 balas o la tan laureada etapa reciente de Wonder Woman; por eso no debe extrañarnos que estos números sean tan míticos dentro de la historia del personaje. Como les comentaba, John hace las maletas y se marcha hacia Estados Unidos, primero como preso en una cárcel tan corrupta como abominable. Una estancia de la cual no tenemos mucha información y que Richard Corben adapta a su fiel estilo gráfico, característico por ser sucio y descarado, para luego dar un paseo por la América más ultraderechista y nazi.

De las grandes historias que contiene esta etapa, elegiría como favorita, sin discusión alguna, la de Buenas Intenciones, el que, para un humilde servidor, es el mejor trabajo de su estancia en la serie. Planteamiento, nudo y desenlace muy bien hilados, con personajes que dejan huella y un cierre maestro. Highwater seguiría el listín, seguida de cerca por Infierno Helado. ¡Ah! y si te gusta Steve Dillon, también tendrás una pequeña ración de su trabajo. El dibujante de Predicador, del que tanto y tan bien hemos hablado, se pasea nuevamente por la serie, aunque sea tan solo para algunas viñetas. Siempre es de agradecer ver en acción al fantástico dibujante inglés.

Carátula de ECC

Buenas intenciones

En su periplo por Estados Unidos, John se sumerge en la ya tan conocida América profunda al encuentro de un viejo amigo llamado Dickie, momento en el cual comienza la caída libre de nuestro protagonista en un espiral enfermizo. La violencia y el sadomasoquismo se entremezclan con una brutalidad pocas veces vista, incluso, en un cómic como este, en el que hay licencia para todo. En un pueblo como Doglick, donde lo único que importa es el mantenimiento de la comunidad, del modo que sea, pocas cosas no encuentran la justificación necesaria. Algo que John no tardará mucho en averiguar cuando se convierta en la víctima de un retorcido plan para sacar rédito. Solo puedo decirles que la trampa que le tienden incluye: drogas, un hombre vestido de cuero, un perro y una cámara de vídeo. A partir de este punto del cómic, Azzarello plantea una narración salvaje y retorcida, certificando eso de que, a veces, es preferible no saber todas las respuestas. La historia está acompañada con el arte gráfico del ilustrador argentino Marcelo Frusin, al que catalogan como un deudor de, sí, otro argentino, el artista Eduardo Risso, famoso por su trabajo con Azzarello en 100 balas.

¿Qué contiene el volumen?

La etapa del guionista Brian Azzarello, tan extensa como polémica, al frente de la colección más veterana de Vertigo, recoge los números de Hellblazer: 146 a 174, así como el número 250 y el Secret Files del personaje, todo numeración USA.

Si alguno de ustedes es un fiel seguidor de la exitosa serie The Flash, de la cadena CW, o si simplemente eres un aficionado de toda la vida al personaje, entonces te interesará acercarte a este recopilatorio. Si por el contrario, poco o nada te cautivan los superhéroes y muchísimo menos un tipo vestido con licra roja, siento haber hecho que invirtieras tu tiempo en leer estas líneas. Siempre puedes correr, correr y correr hasta que tu cuerpo sea capaz de desplazarse, romper las barreras del tiempo y el espacio y poder viajar al pasado para decirte a ti mismo que te evite el momento. Vamos, el pan de cada día para el corredor escarlata. Ahora sí, fuera de broma, 75 años de Flash es un tomo lleno de buenas intenciones pero que, al lector de toda la vida, dejará una sensación un tanto agridulce. A continuación les cuento los motivos, mis motivos.

1. ¿Dónde está Wally West? Para los que crecimos leyendo las aventuras de Flash, nuestro Flash era Wally y aquí no está. Desde que Barry regresara ha acaparado todo el protagonismo de la colección, impulsado, cómo no, por el éxito de la serie de tv.
2. La selección contenida aquí debemos entenderla como un conjunto de documentos de valor histórico del personaje: primeras apariciones de Barry Allen y Jay Garrick, así como la primera vez que se recurre al concepto de las tierras paralelas en DC, aunque se trate de una revisión realizada por Grant Morrison. Sin embargo, estos cómics no son las mejores historias de Flash. Son importantes y de ahí su valor, pero poco más. Ojalá se hubieran atrevido con la muerte de Barry en las crisis o la reinvención que de este hizo Geoff Johns hace no tanto, así como algún capítulo de mayor enjundia dentro de la cronología de Wally.
3. ¿Dónde está Impulso? El velocista del futuro tampoco tiene su reflejo en este volumen. Era mucho pedir que incluyeran su muerte, de los mejores capítulos en la historia del personaje, pero alguna mención o aventura compartida no hubiera estado de más, sobre todo para un héroe donde el concepto del legado es fundamental y parte de su esencia. Por orden: Jay, Barry, Wally y Bart (Impulso), todos son Flash.
4. ¿Y Los Titanes? Kid Flash se merecía algo mejor también. La etapa de Wolfman o incluso algún número de Young Justice no hubiera sido ningún disparate, pero no lo busquen porque tampoco lo encontrarán.
5. En resumidas cuentas, si te gustan los Flash, por decirlo de algún modo, más clásicos, esta edición te dejará contento. De lo contrario, te recomiendo que busques las aventuras de la JLA, de Grant Morrison, con el mejor Wally West o, por lo menos menos, mi caracterización favorita. La JLA no se entendería de igual modo sin las constantes peleas entre él y Kyle Rayner, el único Linterna Verde por aquel entonces.

Flash y sus diferentes encarnaciones

Edición de lujo

Lo que sí queda fuera de todo debate es el material extra que se incluye. Un artículo inicial de Fran San Rafael, seguido por el obituario de Alan Moore a Julie Schwartz, las portadas alternativas donde diversos dibujantes, como Ivan Reis, Kevin Nowlan, Michael Allred, Terry Dodson, Bruce Timm o Doug Mahnke, rinden tributo a Flash y las bibliografías de los autores implicados en el proyecto, elaboradas por el mencionado Fran San Rafael y por David Fernández son, en resumidas cuentas, los complementos necesarios para esta lectura.

Portada del cuarto número: La nueva escoria

El cuarto número de Transmetropolitan nos cuenta lo ocurrido después de la cruenta campaña política que enfrentaba a la Bestia, el actual presidente, contra la candidatura del “Sonrisas” Callahan. La muerte de Vita Severn, directora de campaña de Callahan, provoca que  la popularidad del segundo se vea beneficiada, utilizando a la víctima como un medio más para alcanzar el éxito. Con ella convertida únicamente en un icono publicitario más, la frustración de Spider Jerusalem crece hasta amargarle y sumirle en una profunda depresión. El sistema sigue jugando sus cartas ante los ojos atónitos de nuestro periodista bocazas, incapaz de encontrar la fórmula para detenerlo. Hipocresía, falsedad, intereses económicos ¿qué más?

El punto de inflexión en el presente tomo viene cuando Spider Jerusalem recibe una sorprendente llamada de La Bestia ofreciéndole la oportunidad de una entrevista sin límites. Un encuentro que supone un cambio brutal en la relación de odio sin cuartel entre ambos personajes. Dicha entrevista sirve como un bálsamo para la historia, ya que comenzaba a tornarse un tanto repetitiva. La crítica mordaz siempre está en cada número, Spider escupe sobre su mundo para reflejarnos verdades incómodas sobre el nuestro, pero el efecto ya no es el mismo. Su primer número se publicó en 1997 y aunque, en conjunto, es una obra colosal tiene altibajos y bajadas de tensión importantes. De ahí que destaque la entrevista, tan oportuna como revitalizante para continuar con la recopilación de la serie.

Tapa americana

Continuamos con nuestro repaso con otra de las cabeceras estrella si hablamos de vandalismo sin razón. Bueno, digamos que en Transmetropolitan dicha actitud está justificada para contarnos algo, mientras que en Lobo no es más que acción gratuita y desmedida. Como pueda ocurrir con tantos productos surgidos en los 90, su lectura 20 años después cansa. Una historia, dos y hasta tres están bien, pero añadir alguna más comienza a tornarse un poco cansino, ¡pero oye! si se trata de tu personaje favorito, su consumo es tan válido como cualquier otro héroe, antihéroe o aventurero espacial. A un servidor le parece más disfrutable su lectura de modo esporádico, pero para gustos ya se sabe ¿verdad? Para gustos los colores. Esta vez tenemos a Alan Grant y John Wagner en el guion y Cam Kennedy, Kieron Dwyer y Martin Edmond en el dibujo.

Carátula de Lobo: Gladiadores antiamericanos

Lobo: Gladiadores Antiamericanos

El nombre del volumen hace referencia al famoso programa de televisión de Estados Unidos, también de los años 90. Aquí vamos a ver a Lobo participar en un tipo de concurso donde sus oponentes luchan por conseguir varios premios… hasta la muerte. ¿No les suena la premisa? Sangre, golpes, más sangre, más golpes y así hasta terminar la historia. Luego Lobo se dirige a un puerto espacial y roba un trasbordador, lo que no le impedirá al último czarniano meterse en algún nuevo problema. Seguimos con Contrato con Dioz, una historia de cuatro partes donde Lobo tiene que enfrentarse contra mil demonios, hasta desatar una crisis donde nadie estará a salvo. Si eres uno de esos que el afán completista le consume, añade Gladiadores Antiamericanos a tu colección, pero si prefieres leer alguna historia de Lobo te recomiendo Batman/Lobo o El último czarniano, ya reseñadas aquí, en nuestro espacio dedicado a los cómics.

¿Todavía intentan acordarse de aquel programa llamado Gladiadores Americanos? Aquí les dejo con una imagen bastante ilustrativa y clarificadora.

American Gladiators

Hoy no voy a hablarles de un cómic en concreto, ni siquiera de un arco argumental, sino más bien de la trayectoria de un guionista. ¿El motivo? Que supo contar una de las mejores historias con personajes Marvel de los últimos años. ¿Cómo lo hizo? Con mucha paciencia, imaginación, retrospectiva y atino.

La nueva versión de Apocalipsis

¿Quién es Rick Remender?

Uno de los guionistas norteamericanos de mayor renombre en la actualidad. Tras su paso por Image y Dark Horse, en Marvel firmaría etapas memorables en Punisher, un renovado Venom y las laureadas etapas de Uncanny X-Force y Uncanny Avengers con los lápices espectaculares de Jerome Opeña, Daniel Acuña y Oliver Coipel, entre otros.

¿Qué es eso de Uncanny?

Stan Lee y Jack Kirby crearon los X-Men en 1963 y fue cuando Chris Claremont y John Byrne reiniciaron, en cierto modo, las aventuras de los mutantes cuando la cabecera se hizo con el apelativo Uncanny, ahora heredados por X-Force y Vengadores respectivamente y con Rick Remender como comandante.

Su equipo en Uncanny X-Force

Los protagonistas de la fuerza letal mutante son personajes oscuros, corruptos y con muy poquita compasión. Un grupo de asesinos capitaneados por Lobezno, del cual, intuyo, no hace falta presentación ¿no? y Mariposa mental, una ninja con increíbles poderes telepáticos, tan seductora como peligrosa. Les sigue de cerca Arcángel, Warren Worthington III, de los personajes con mayor peso dentro del grupo y debo confesar que mi gran debilidad desde su conversión en Jinete del Apocalipsis. Deadpool tampoco podía faltar en una cuadrilla de asesinos para aportar, además de balas y golpes de espada, su particular sentido del humor. Si quieres saber más sobre él pincha aquí ya que hace poco nos hizo una visita. No conocía la existencia de Fantomex hasta la lectura de esta Uncanny X-Force, con lo que su descubrimiento aportaría algo novedoso y original a un selecto equipo formado por lo más peligroso del universo mutante. Fantomex es un galán encapotado, experto en el uso de armas y poseedor de unos enrevesados poderes que incluyen la creación de ilusiones de sí mismo, así como la exteriorización de su sistema nervioso, denominado EVA. Suena todo muy raro, lo sé, pero a través de las viñetas todo queda mucho más claro. Deathlok y una versión alternativa de Rondador Nocturno se suman al equipo varios números después.

Los miembros de Uncanny X-Force

Sus Uncanny Avengers

Kaos es el hermano de Cíclope, el antiguo líder de los X-Men y actual bandera del ejército mutante más extremista después de asesinar a su mentor Charles Xavier, poseído por el poder del Fénix. Kaos comanda a los Vengadores en esta nueva etapa, centrado en la unión entre los de su raza y los humanos. A veces parece que el cargo le queda un poco grande, pero ahí esta La Avispa para darle los ánimos necesarios y equilibrar su falta de confianza. Sin lugar a dudas una de las mejores interpretaciones que se han hecho del diminuto personaje hasta la fecha. El Capitán América sigue en su línea como líder natural y moral del equipo, aportando muy poquito a su papel tradicional. La bruja escarlata y Wonder-Man forman un dueto curioso, él eterno enamorado de la hechicera mutante, mientras que Wanda parece no salir de su papel como arma de destrucción masiva, gracias a unos poderes que ya diezmaron a los suyos en el pasado. Thor adquiere un renovado protagonismo en su conflicto con Apocalipsis, víctima de su arrogancia y prepotencia juveniles, es uno de los principales beneficiados por su importancia en la historia. Cierran el equipo Pícara y Fuego solar, dos de los mutantes más clásicos de la franquicia. Impulsivos, imprevisibles y poderosos, con su carácter equilibran un grupo repleto, en su mayoría, de héroes bonachones. Lobezno también está presente en el equipo convirtiéndose en el personaje clave para entender ambas colecciones. Su paso por X-Force nos trae de vuelta el peso de los pecados cometidos por él y los suyos cuando tenían licencia para matar. ¿Aún existen superhéroes regidos por estrictos códigos morales o el fin justifica los medios? ¿Existe el perdón y la posibilidad de cambiar, incluso para los peores? ¿Pueden cohabitar humanos y mutantes? Estas son solo algunas de las preguntas que nos plantea Remender en su trabajo con los superhéroes Marvel.

Los Vengadores en su mansión

Uriel y Eimin, los temibles Gemelos Apocalipsis

Apocalipsis: El villano definitivo para mutantes y vengadores

Quien más quien menos recordará la legendaria saga noventera La era de Apocalipsis, un relato que nos contaba lo sucedido después del asesinato de Charles Xavier a manos de su hijo, Legión. La evolución del más apto siguió su curso y los mutantes, comandados por Apocalipsis, conquistaron la Tierra masacrando a su paso al hombre. La era de Apocalipsis se recuerda con muy buen sabor, una historia arriesgada que ponía a los malos como los grandes vencedores de la contienda definitiva. Ni siquiera los nuevos X-Men pudieron cambiar nada. No obstante, ya se sabe, cuando la situación alcanza su punto álgido aparece el héroe definitivo y la paz vuelve a regir y así, finalmente, ocurrió. Rick Remender rinde homenaje a aquella historia como nadie había hecho hasta entonces con el resurgido heredero de Apocalipsis y una versión infantil del mismo. La entrada de los Gemelos Apocalipsis capitanea una nueva era para este tipo de personajes, ligados a los viajes a otros mundos y futuros extraños, aunque mi favorito, como ya dije, será siempre Arcángel. ¡Bravo Remender por tu trabajo definitivo con Warren! Nuevos giros que traen páginas y páginas de acción, tragedia y viajes en el tiempo. 100% recomendado.

Guía de lectura para Imposibles X-Force (Panini):

1. La solución Apocalipsis
2. Nación Deathlok
3. La saga del Ángel Oscuro (Fin de la historia de Apocalipsis)
4. Otromundo
5. Ejecución final (Conclusión de la etapa de Rick Remender)

Guía de lectura para Uncanny Avengers (Ovni Press):

1. Uncanny Avengers 1
2. Uncanny Avengers 2
3. Uncanny Avengers 3
4. Uncanny Avengers 4 (Fin de la etapa de los Gemelos Apocalipsis)
5. Uncanny Avengers 5 (Axis)
6. Uncanny Anvegers 6 (Contra-Evolucionario)

Portada del segundo recopilatorio

Dejamos el primer número recopilatorio de La Liga de la Justicia: Grant Morrison, reseñado aquí cuando hablábamos de las mejores encarnaciones de Batman, para centrarnos en este segundo tomo que nos trae El vaivén de los tiempos (o La roca de los tiempos según las traducciones), la aparición de Prometeo y la guinda del pastel: una historia compartida entre la JLA y los WildC.A.T.s, el grupo de superhéroes creados por Jim Lee y Brandon Choi para la revolucionaria editorial Image en 1992. Si llegan al final del artículo les espera un vídeo con muchos recuerdos.

¿Qué encarnación de la JLA vamos a encontrar en el segundo volumen?

Dejamos al clásico Superman para darle la bienvenida al polémico Superman de energía: azul, eléctrico y sin capa, el Aquaman creado por Peter David o lo que es lo mismo un Aquaman más parecido a Poseidón que a un superhéroe, Flash y Green Lantern al estilo novatos, Detective Marciano, Batman, Wonder Woman, el ángel Zauriel, Plastic-Man, Green Arrow (Connor Hawke, el hijo de Oliver Queen) y…mucha atención: Aztek, un llamativo superhéroe con poderes vinculados a los dioses mexicanos, tal como lo leen. Estamos ante una versión de la JLA que, aunque mantenga una base sólida con los grandes emblemas de la editorial, baila a sus integrantes como si se tratara de una de las tantas formaciones de Los Vengadores de Marvel. Esta fue una de las principales características de la etapa de Grant Morrison y, para muchos, uno de sus principales atractivos.

Grifter y Zealot

Un poco de historia

Cansados ya del dominio Marvel, el cual restaba potestad a los equipos creativos y daba muy poco margen para el beneficio personal, Todd McFarlane, Rob Liefeld, Erik Larsen y tantos otros se fueron para fundar su propia editorial: Image Comics. Para que todos lo entiendan, por aquel entonces si un equipo de guionistas y dibujantes creaba un nuevo personaje, este era propiedad de Marvel, que podía hacer con su vida lo que quisiera. Esta nueva fábrica de cómics permitía que los creadores se quedaran con todos los derechos sobre sus creaciones dejando paso a un universo que nacía de cero, con personajes sin una historia preestablecida y la libertad para hacer, literalmente, lo que quisieran.

¿Cuántos personajes de aquella época nos encontramos hoy en día? Dentro de esta novedosa y arriesgada propuesta el dibujante Jim Lee, uno de los fundadores, creó WildStorm Studios donde dio vida a sus proyectos más personales: WildC.AT.s y Stormwatch. Pasado un tiempo el furor por los superhéroes hipermusculados y miradas asesinas cayó en picado y DC Comics terminó absorbiendo tanto a este como a otros coloridos grupos. Sin embargo, ahí sigue Image con Spawn, Invencible y The Walking Dead, entre un surtido número de cómics de calidad y notable prestigio.

Los X-Men de Jim Lee

JLA/Wildcats

La historia es tan previsible, maniquea y absurda como tantas otras que aprovechan cualquier excusa para congregar cuanto superhéroe se ponga por delante. ¿Y qué? Tampoco es que nos importe demasiado, ya sabemos que estamos ante unas reuniones donde, básicamente, trataremos de pasar un rato entretenido viendo luchar a un montón de tipos en mallas. El comienzo de la historia, con los recurrentes viajes en el tiempo y una versión joven de Flash, prometía bastante más de lo que sería el resultado final. Eso sí, no nos hubiese importado contar con los lápices de Jim Lee, el padre del equipo y genio y figura a la hora de construir viñetas espectaculares. Val Semeiks dibuja una versión de los personajes cumplidora, pero carente del dinamismo y la grandiosidad a las que nos tenía acostumbrados Jim Lee.

La JLA y los héroes de Wildstorm

En el número faltan varios de los miembros originales de los WildC.A.T.s, como Warblade, Lord Em y Hadrian, pero sí están Maul, Void, Zealot, el carismático Grifter y Mr. Majestic con quien, incluso, Alan Moore decidió trabajar hace años. Un quehacer que también haría durante cierta etapa del equipo. Los mejores momentos nos los dejan Maul, una especie de Hulk que cuanto más crece más tonto se vuelve; Grifter, un pistolero enmascarado vestido con la ya clásica gabardina detectivesca, quien no tarda en vérselas con Batman a las primeras de cambio y Zealot, una poderosa guerrera que intenta luchar de igual a igual contra Wonder Woman, aunque, como hemos dicho, solo lo intenta.

Sabemos que la nostalgia es una poderosa amiga para llamar la atención de los aficionados que disfrutaron con un grupo muy llamativo en lo visual, pero que resultaron sumamente insustanciales en su argumento. A día de hoy no recuerdo ninguna de sus historias, pero sí retengo varias improntas visuales de sus héroes y heroínas. Pobres WildC.A.T.s, ni siquiera después de la unión al universo DC han conseguido ser rentables convirtiéndose en auténticas reliquias de otro tiempo. Tan solo Grifter parece adaptarse, pero muy tímidamente a través de Flashpoint. El resto por ahí anda, dando tumbos entre diferentes colecciones o guardados en un cajón. Los coletazos de los años 90 no dejan de perseguirnos y de seguro este no será el último.

Aquí la sorpresa:

Portada de ECC

A estas alturas muchos deberán saber mi pasión por la mitología en general, pero por la nórdica muy en particular. La sabiduría de Odín, las aventuras de Thor, el ingenio de Loki, el ataque de los gigantes de hielo o bien la profecía del Ragnarok nos han invadido de una u otra forma en lo que va de siglo XXI. Una incursión auspiciada especialmente por el despegue definitivo de series como Vikings, las estupendas películas Cómo entrenar a tu dragón o el buen hacer de guionistas y dibujantes a cargo del dios del trueno en Marvel Comics o la reinvención de Beowulf; sin despreciar el éxito cosechado por la novela American Gods, de Neil Gaiman (del que pronto tendremos programa exclusivo en La Milana Bonita). Si te interesan todas estas propuestas, sientes real devoción por el hidromiel y los secretos que habitan en el pozo de Mimir te acechan noche tras noche, no puedes dejar escapar la oportunidad de disfrutar con un cómic indispensable en tu biblioteca vikinga: Northlanders, de Brian Wood.

¿Qué es Northlanders?

ECC vuelve a la carga con una colección muy original compuesta por historias de seis o siete episodios, con protagonistas diferentes, y ambientadas en distintas épocas. Además, cada arco argumental está dibujado por un artista distinto, para acentuar las diferencias entre ellos, que no son pocas. En este primer volumen destaca el excelente trabajo del italiano David Gianfelice, un aliciente y complemento ideal para el relato de Sven.

Carátula original

El regreso de Sven

Estamos ante la historia con la que comienza el tomo. Narra la historia de un vikingo que huyó de su casa de pequeño y acabó en Constantinopla, centro cultural de la civilización por aquel entonces. Un lugar que le daría la oportunidad de convertirse en un varego y asimilar sistemas de vida muy opuestos al suyo, lejos del abrazo protector de Odín. Años después la muerte de su padre obliga a Sven a regresar a su casa para reclamar su legítima herencia, encontrándose una civilización que vive estancada en el tiempo y que ven en el recién llegado una amenaza para su tradicional sistema de vida. Una historia que sirve al guionista para dejar claras sus intenciones de confrontar lo nuevo con lo viejo, un tema que veremos repetido una y otra vez, aunque planteado de diferente modo, a lo largo de la colección. Este y el carácter mestizo de sus personajes es otro de los puntos en común entre los relatos aquí presentados. Por otra parte la presencia del cuervo observador aporta esa dosis de magia de la que intenta rehuir en todo momento nuestro protagonista.

Interior de la segunda historia

Lindisfarne

La historia corta titulada como Lindisfarme cierra el volumen colocándonos del otro bando, el invadido, ante el inevitable ataque vikingo. El asalto de los noruegos al monasterio de Lindisforme sirve como excusa argumental para que un niño, medio sajón, se decante por un bando. Estamos ante un relato, breve, contenido y muy bien llevado. Como ocurriera con la historia anterior, no estaremos obligados a ese eterno “continuará…”, porque todo termina en la última página, sin puntos suspensivos. Por cierto, Dean Ormston se hace cargo del apartado gráfico cumpliendo de sobra con su estilo poco detallista pero cargado de fuerza visual.

Contexto histórico

Las islas Orcadas, el hogar de Sven: El hábil guerrero decide abandonar su Constantinopla adoptiva para regresar al norte de la actual Escocia, concretamente a las islas Orcadas (Orkney Islands), su lugar de nacimiento. ¿Las razones? Ni más ni menos que la siempre justificada venganza en pos de sus seres queridos, la sed de sangre y la bienintencionada voluntad de promover el cambio en una tierra anclada a las tradiciones del pasado.

Rivalidad entre noruegos y escoceses: Los vikingos procedentes de la actual Noruega llegaron a las islas del norte de Escocia aproximadamente en el primer tercio del siglo IX, se extendieron rápidamente por los territorios escoceses y masacraron a la población picta. Todo parece indicar que a esta confederación de tribus pertenece la misteriosa arquera de nuestra historia o al menos debemos situarla como una más que posible descendiente de los celtas. La historia nos dice que entre los archipiélagos invadidos se encontraban las islas Orcadas, lugar donde se desarrolla la historia.

Los sajones: Se trata de un pueblo germánico que se extendió por toda Europa durante la Edad Media y que invadió, para quedarse, la actual Inglaterra entre los siglos V y VI. Enfrentados con noruegos y daneses desde las continuas invasiones, los sajones son uno de los tradicionales enemigos de los vikingos, por llamarlos de alguna manera. 

¿Quiénes eran los varegos? Conocida como la guardia de élite del imperio, la Guardia Varega, era una de la tropas más fieles y leales de todas las bizantinas, una tribu escandinava procedente del actual territorio de Suecia y Dinamarca, que migraron hacia el sudeste de lo que actualmente es Rusia, Bielorusia y Ucrania. Se dedicaban al comercio, a la piratería y a actividades mercenarias, actuando en los puertos fluviales de Rusia, llegando al Mar Caspio y Constantinopla. Por si lo olvidaban Sven es uno de ellos.

Si después de todo esto tienes ganas de más obras de Brian Wood ya estás tardando para acercarte a su versión de Conan el Bárbaro, editado hace unos años por Planeta.

Una nueva versión del clásico “La isla del tesoro”

¿Preparados para iniciar una aventura? Jim Hawkins: El testamento de Flint, de Sébastien Vastra es eso y mucho más. El comienzo de una aventura épica sí, pero también el regreso a una tierra que todos conocemos muy bien. ¿Quién no ha leído La isla del tesoro o ha visto alguna de sus múltiples versiones cinematográficas? ¿Quién no se ha chocado, aunque sea por casualidad, con alguna ilustración del Capitán Flint o Long John Silver?

El francés Sébastien Vastra adapta libremente el clásico de Robert Louis Stevenson con una fuerza renovada gracias, principalmente, al delicioso apartado gráfico y al juego metafórico que ofrece la caracterización animal de sus personajes: Jim Hawkins es un cachorro de león, Billy Bones un viejo lobo de mar, el Capitán Flint un peligroso mandril y Long John Silver, bueno, Kong John Silver es un gorila. Los animales antropomorfos no son ninguna novedad, clásicos comiqueros como Maus, de Art Spiegelman o las aventuras de Usagi Yojimbo ahí están para confirmarlo y es que los humanos animalizados funcionan a la perfección para jugar a las máscaras y dobles interpretaciones.

La historia

El argumento es el que todos conocemos: Estamos a mediados del siglo XVIII y Jim Hawkins es un chico que junto a sus padres trabaja en la posada del Almirante Benbow. Un joven león que sueña más con el océano y los relatos de los marineros que con regentar el negocio familiar. Hasta que un día todo cambia tras la visita de Billy Bones, entonces su misterioso cofre, la visita de un buitre ciego y la amenaza de un pirata con pata de palo cambiarán su vida para siempre.

Aquí la primera viñeta del volumen primero

El legado de Flint

El primer álbum llega hasta el momento en que el joven Jim y sus compañeros se hacen a la mar a bordo de La Hispaniola, un ejemplo de que Sébastien se toma su tiempo para adaptar la obra original presentándonos a los personajes principales y las relaciones que entre ellos se establecen. En este sentido vamos a destacar la agilidad narrativa y el poder del dibujo para hacer de la lectura de este primer tomo una experiencia divertida, entretenida y que deja un gran sabor de boca. Por ahora, todo son buenas palabras para una historia que siempre ha cautivado, algo que el autor francés sabe de sobra a la hora de tocar las teclas adecuadas para que su particular visión también lo haga.

El peligroso Capitán Flint

He de reconocer que esta es la primera vez que me topo con Vastra, un artista que ha conseguido el reconocimiento con la presente obra al ser elegido como uno de los títulos revelación de 2015, galardonado con el premio al Mejor Dibujo en el Festival de la BD de Chambéry. Yermo Ediciones continúa acercando escritores y dibujantes franceses de calidad, una vez más.

Lo mejor: La representación del capitán Flint como un temerario y sanguinario pirata personificado como un mandril; el viejo lobo de mar Billy Bones y su colmillo partido y la secuencia del asalto a la posada comandada por el buitre Pew. Todo esto sumado al buen ritmo, pese a que no abunda la acción, nos permite frotarnos las manos con lo que vendrá en las próximas entregas.

Literatura marina en La Milana Bonita

A partir de este punto lo lógico sería que los volúmenes siguientes solo mejoraran el buen hacer que está haciendo el francés en una obra que este año también analizaremos en La Milana Bonita. Recuerden que en 2016 haremos un breve repaso por la literatura marina y una de las obras analizadas será, precisamente, La isla del tesoro, de Robert Louis Stevenson. Nos despedimos recomendando la serie Black Sails y una novela de piratas muy especial, de los que ya hemos hablado en la radio, aunque sean unos muy terroríficos Los piratas fantasmas, de William Hope Hudgson.

El artículo de esta semana no podía ser más peliagudo, seguramente un quebradero de cabeza considerable para los editores de viñetas de nuestro tiempo. Coleccionar cómics no es lo que era, frente a la convencional grapa hoy proliferan los tomos recopilatorios, las ediciones de lujo y las algo cansinas reediciones, contenedoras del deseado material extra que todo lector, pero más el coleccionista voraz, quiere atesorar. ¿Es esto útil y legítimo? ¡Por supuesto! Pero también cansino e innecesario en muchos casos. Y esto en el mercado editorial lo saben muy bien. El tirón social, la influencia multimedia y el caché de cada superhéroe se rinden ante las exigencias del lector ¿o esto nos es un tanto impuesto? La verdad esque la respuesta incluiría un poco de todo.

La espectacular Mera, compañera poderosa de Aquaman

Batman reedición trimestral Vs. Aquaman

Ambas series ya cuentan con una trayectoria más que considerable en España y por una cuestión de cercanía y afinidad quiénes mejores para ejemplificar dos modelos de publicación desde la llegada de Los Nuevos 52. Podríamos tomar otros, pero ambas colecciones nos sirven perfectamente para hacer la panorámica.

Batman siempre sale rentable y eso en ECC Ediciones lo saben muy bien. Tomos lujosos, de tapa blanda o de pasta; los hay de todos los tipos y para el tamaño de cada bolsillo. En el caso de las reediciones trimestrales, que agrupan el contenido de las grapas, el problema radica en la suma de los números de otras colecciones, todas ellas de Batman, que destacan por una calidad muy dispersa. Así, en el volumen titulado Origen nos encontramos con muy poquitas páginas dedicadas a la historia principal y muchas que no lo son. Batman de Scott Snyder y Greg Capullo ha sido tan atrevido como temerario pero siempre atractivo y solvente. Todo lo contrario ocurre en la cabecera Detective Comics, sin rumbo fijo y con unas historias muy flojitas. En títulos como La muerte de la familia la fórmula funcionaba bien; en cambio, desde la publicación de Réquiem ya no tanto. ¿Sería mejor entonces la recopilación solo de aquellos eventos de cierta importancia y nivel? Ahí queda la pregunta, quizá la más acertada de todas.

En Aquaman ocurre todo lo contrario, una colección que necesita ser vendida en volúmenes, con historias cortas o largas pero autocontenidas en sí mismas obviando su ramificación con otras series (con la excepción de su membresía en la JLA). Está claro que el nivel de popularidad de Batman le funciona como un arma de doble filo, por ello tiene tantos títulos abiertos con su nombre, algo que Aquaman no necesita ni busca. También es cierto que el nivel decayó un poco después de la marcha de Geoff Johns, pero el trabajo de Jeff Parker no desmerece en absoluto y, en general, el arco Vorágine deja un buen regusto, con consecuencias importantes dentro del universo del personaje.

Portada de “Origen”

¿Qué nos cuentan Batman “Origen” y Aquaman “Vorágine”?

El número 11 reúne los números 20 y 21 de Batman y el 20 y 21 de Detective Comics o lo que es lo mismo: dos números más guionizados por Scott Snyder y otro par del irregular John Layman. El comienzo de Origen se da lugar en el 21 de Batman, con un jovencísimo Bruce Wayne recién llegado a Gotham y la amenaza de la banda de los capuchas rojas. He de decir que este es el único número de todos que engancha al lector de cara al siguiente tomo. Por su parte John Layman concluye su historia del Pingüino Emperador, bien resuelta pero con varias sombras, y nos presenta otro combate más entre Batman y una asesina, donde lo que sí hay que destacar es el dibujo de Jason Fabok. Eso es verdad, el apartado gráfico de Detective Comics nunca ha decaído, probablemente su mejor argumento ante la falta de ideas.

Portada de Aquaman 11

Con Aquaman Jeff Parker ha sabido mantener el nivel narrativo, pero donde más lagunas encontramos es en el dibujo, aunque el estilo clásico y menos espectacular del grupo formado por Carlos Rodríguez, Paul Pelletier e Yvel Guichet comienza a ser más vistozo con el paso del tiempo. Poco a poco este Aquaman presume poderío, sin ser el de Ivan Reis, al igual que Mera alardea de su ya clásica figura estilizada y curvilínea. Parece ser que tanto el guionista como la pandilla de dibujantes han sabido entender la importancia de Mera dándole la relevancia necesaria a sus viñetas y es que ya lo habíamos dicho: este Aquaman no sería el mismo sin el protagonismo de su mujer.

La presente edición recoge los números 37 al 40, una continuación directa del final del tomo número 10, donde la historia nos llevaba al descubrimiento de unos portales dimensionales en Atlantis. A través de ellos nuestro héroe deberá emprender un viaje para encontrar a un personaje muy importante en su pasado, todo un giro argumental que suponemos traerá mucho que decir en las próximas aventuras del rey de los mares de DC Comics, en plena forma desde hace ya varias años. Que dure.