Roger Slifer, una autoridad en el mundo de la animación y los cómics, mejor conocido por ser el co-creador del personaje Lobo de DC Cómics, ha fallecido. Una sentida pérdida para el mundo de las viñetas, justo el año que en España comienza a reeditarse el material de su personaje más popular.

Una de las imágenes más emblemáticas de Lobo

¿Pero quién es Lobo?

Lobo fue una invención del grandísimo Keith Giffen y Roger Slifer. Desde sus primeras apariciones quedaría clara la línea y el estilo que tendrían uno de los personajes más descarados del mainstream norteamericano. Lobo era el único superviviente  de una raza extraterrestre, los czarnianos, que él mismo se encargaría de exterminar, precisamente para ser conocido como el último de su especie. Implacable, prepotente, codicioso y sin ningún tipo de cadena moral, Lobo se convertiría en el enemigo público del universo. Con cada nueva entrega, el villano jugaba a ver qué nuevo limite era capaz de superar. Asesinato, corrupción, robo. Ninguna buena acción quedaba impune si Lobo andaba cerca. Los años noventa fueron su época gloriosa, aprovechando la locura que impregnaba el cómic de superhéroes de por aquel entonces; luego caería en el olvido sin que ningún guionista supiera sacarle el partido necesario.

Portada

Lobo: Autopista al Infierno

Tiene gracia que Scott Ian fuera el guionista de esta disparatada historia. Un artista dedicado al mundo de la música, guitarrista del grupo trash metal Anthrax, que por giros de la vida terminaría escribiendo un relato del cazarrecompensas más odiado de la galaxia. Si a esto sumamos que el genial Sam Keith guiaría su camino, entonces tenemos ante nosotros un cómic tan gamberro como divertido.

Lobo se sumerge en el Infierno después de enterarse que Lucifer le guarda cierto rencor. La excusa de una buena pelea es más que suficiente para una aventura, por lo que Lobo nos llevará de cabeza en un viaje sin mayor sentido que el de la acción descerebrada. Eso sí, los dibujos de Sam Keith son espectaculares: psicodélicos, deformes e hipnóticos. Un auténtico lujo de uno de los ilustradores más reconocidos del panorama internacional. Su currículum lo dice todo: Sandman, Batman, Spider-Man, Lobezno y Juez Dredd han pasado por sus manos.

Lobo enfundado en el traje de Batman

Batman/Lobo:

Sus autores:

Alan Grant es una leyenda del cómic. Juez Dredd y Batman son sus obras más destacadas, con permiso de su etapa en Lobo. Parecido rumbo tuvo el dibujante Simon Bisley, famoso por su versión del juez de semblante impertérrito y las portadas de la Patrulla Condenada de Morrison. Su retrato de Lobo nunca ha sido superado.

El cómic:

La historia es simple, el villano Scarface ha contratado a Lobo para que liquide al Joker, pero este, hábil como él solo puede ser, le convence para que se encargue primero de Batman. Así Lobo siembra el terror en Gotham suplantando la identidad del héroe, forzando el enfrentamiento con el encapotado. Un relato sencillo, donde impera la violencia desmedida y las palabrotas. Los dibujos de Bisley, tan bizarros como la estética de Lobo consiguen abrumar por el salvajismo y su grotesca concepción de la anatomía. En conclusión, un espectáculo visual sin sentido, puro Lobo.

Material extra: El volumen contiene una historia de Neil Gaiman dedicada al Joker y Batman. Cuando un escritor tiene calidad no necesita más de un par de páginas para contar una buena historia. Sublime.

En La Milana seguiremos atentos a la continuación de la reedición de su material. ¡El Hombre ha vuelto!

¡A leer!

Después del análisis dedicado Merlín e familia, de Álvaro Cunqueiro y la reseña de Merlín, de Robin Wood y Enrique Alcatena, llega por fin un poco de cómic francés a La Milana Bonita y con autores como Jean-Luc Istin y Alain Brion creo que volveremos a repetir. Mientras esperamos el programa de Un yanqui en la corte del rey Arturo, de Mark Twain, nos adentraremos en las andanzas de Uther Pendragón y Merlín en Las crónicas de Excálibur.

Portada de Yermo Ediciones

Jean-Luc nos presenta los cimientos de la leyenda artúrica, entremezclando la versión clásica, el folclore europeo y una renovada puesta en escena donde Merlín, Morgana y Uther Pendragón brillan con luz propia. Aunque eso no impide que otros personajes menos utilizados como Igraine, Patricio el predicador o la mismísima Dama del Lago adquieran una inesperada relevancia. En este apartado encontramos uno de los valores añadidos del cómic, más centrado en el origen de la leyenda que en la llegada de Arturo, dejando de lado las tradicionales batallas o las famosas traiciones amorosas. Lo cual no quita que nos las haya, sino que tendremos el placer de descubrir otras no tan conocidas. Aquí seremos testigos del valor de Excálibur como elemento constructor y no como un arma que siembra la guerra. El viaje de la espada comienza cuando el druida la recibe de manos de la diosa de Avalón. De ahí pasa a las de Uther Pendragón, quien la blande con coraje y vehemencia, para convertirse en leyenda poco después, cuando Merlín la incrusta en el caparazón de una gigantesca roca.

La otra historia

Fantasía artúrica

El guionista francés nos presenta un relato con doble lectura, haciendo alarde de su capacidad para concebir mayor profundidad al mito artúrico con una facilidad y coherencia encomiables. Sí, la historia de la espada será el nexo entre todos los personajes, el símbolo que finalmente unirá a todos los pueblos de Bretaña. Arturo llegará, tarde o temprano. No obstante , hay otra historia quizá todavía más interesante y esa es la de Morgana. Estamos acostumbrados a conocer a la hechicera implacable y no tanto a esa niña prodigio, traviesa, astuta y encantadora. Su relación con Merlín es otro de los grandes atractivos de esta adaptación, consiguiendo realmente que el lector pueda conectar con la relación que mantienen el mago y su nieta.

Si la primera parte del volumen era algo más lenta debido a su carácter introductorio, el inicio del segundo capítulo, “Cernunnos”, es simplemente arrollador. No podremos parar de leer. Merlín, Morgana, el dios ciervo y los pictos. La conexión entre Cernunnos y Morgana es maravillosa, una gran contribución para reinterpretar a la bruja, entremezclando a la deidad de la fertilidad de la mitología celta con la hechicera.

Las hijas de Avalón

La Dama del Lago de Alain Brion

Las mujeres de Avalón como arquitectas de Bretania, la cercanía/lejanía de la tierra de los sueños y el poder mágico que ostentan son conceptos fundamentales para explorar esta fase del mito artúrico, algo que no pasa desapercibido para el guionista que satisface todas las expectativas del lector. Por si esto fuera poco Alain Brion las dibuja de tal modo que estas te quitan el aliento. El retrato de Igraine, tan bella como erótica, recuerda por momentos a aquellas mujeres de curvas imposibles de Milo Manara, porque que nadie se equivoque, Las crónicas de Excálibur es un relato de mujeres. La Dama del Lago puede aparecer desnuda o vestida, pero nunca pierde un ápice de su elegancia y misticismo; una de las mejores interpretaciones que se han hecho gráficamente del personaje. Las páginas dedicadas a su enfrentamiento con el sacerdote Patricio son de las mejores del cómic, tan alegóricas como contundentes.

Si estás interesado en leer una obra diferente, más centrada en explorar aquellos aspectos no tan conocidos del mito, tienes que leer Las crónicas de Excálibur, de Jean-Luc Istin y Alain Brion. Cómic francés en estado puro.

Recomendado 100%

¡A leer!

Ya se ha convertido en un clásico hablar de Sandman y Neil Gaiman en La Milana Bonita. A lo largo de los últimos meses no han sido pocas las oportunidades en las que hemos tratado sus cómics y novelas, pero es que tampoco podemos detenernos porque la maquinaria creativa de este autor sigue funcionando a pleno rendimiento, produciendo nuevo material sin que por ello tenga que resentirse la calidad de sus textos.

Portada del libro

En esta ocasión volvemos a tratar una obra que ya todos conocen muy bien, Sandman: Los cazadores de sueños. No, no se trata de una segunda parte ni de una precuela, sino de la misma obra. Gaiman no ha cambiado ni una coma de lugar ¿Entonces? Se estarán preguntando muchos de ustedes. La diferencia la encontramos en su apariencia , y si antes hablábamos de un cómic ahora vemos la misma historia pero en formato libro. ¿Eso es todo? Tampoco, porque lo acompañan las preciosas ilustraciones del japonés Yoshiaka Amano, mundialmente conocido por los diseños de los personajes de la saga de videojuegos Final Fantasy, así como de Vampire Hunter D. Un auténtico lujo, donde Morfeo parece navegar cómo si siempre hubiera sido caracterizado por su pincel: mucho más espectral y sombrío.

Premios: La adaptación fue galardonada con el Premio Bram Stoker en 1999 (el mayor premio que existe en el género de Terror), por la mejor Narración Ilustrada. También estuvo nominado al Premio Hugo de 2000 (el mayor premio que existe para las obras de Ciencia Ficción), al Libro Mejor Relatado.

La curiosidad: En el epílogo, Nei Gaiman cuenta el origen de la historia: un viejo cuento popular japonés. Una leyenda adaptada por ambos artistas para hacerla calzar en el universo de los sueños.

Interior del libro

El Lucifer de Mike Carey, otra vez

Portada de Lucifer nº6

Esta nueva entrega de Lucifer nos presenta el derrumbamiento del orden establecido, con la derrota de las fuerzas celestiales y la desesperación de los ángeles. El panorama resultante sitúa a Lucifer como principal protector del universo, una situación que resulta cuanto menos paradójica. Hay que prestar mucha atención al personaje de Elaine Belloc, que crece hasta límites divinos para ayudar a Estrella del Alba a evitar la destrucción de toda la Creación. Por si esto fuera poco seremos testigos de un viaje místico y de un período de aprendizaje muy reflexivo e introspectivo, certificando nuevamente el gran trabajo que hiciera Mike Carey al frente del personaje creado por Neil Gaiman. Una historia que vale la pena leer en su totalidad y no de forma fragmentada.

Elaine Belloc es uno de esos personajes cautivantes, de los más relevantes en el entorno de Lucifer. Con cada aparición desprende una dulzura inusitada, solo comparable con el poder que parece albergar en su interior. Tanta presencia solo hace suponer que se trata de una mujer capaz de hacer mucho más de lo que aparenta, que ya es bastante. Elaine no solo puede detectar fantasmas, desprender dos gigantescas alas de su espalda o cambiar de apariencia; también puede convertirse en el motor de la historia y guiar a un Lucifer que mejora con cada nueva entrega.

Cuando Lucifer se arrancaba las alas en aquellos míticos números de Sandman, seguramente no auguraría ser poseedor de una serie de tal calidad. No hace mucho Carey afirmaba en una entrevista que su versión del personaje era más “intelectual” que la del escritor británico: “Quizá mi versión de Lucifer sea menos terrenal y más intelectual que la de Neil Gaiman. Cuando empecé a escribirlo se parecía al personaje de Gaiman en Estación de tinieblas y Las Benévolas, pero al releerlo me di cuenta de que mi Lucifer es más intelectual y engolado, el de Gaiman es más áspero, más duro. La personalidad de ambas versiones quizá sea muy parecida, pero la forma de expresarse es muy diferente”. La verdad es que el guionista daría una profundidad novedosa, aňadiendo una serie de giros sobre la independencia y la inevitabilidad del destino que colocaría a Lucifer en sitios donde Sandman ya había estado.

Si quieren saber un poquito más sobre este personaje pinchen acá

¡A leer!

La nueva cara del Joker

El Joker cumple 75 años y DC Comics lo celebra por todo lo alto, como debe ser para uno de los mejores personajes de la historia del cómic. Hace unos meses, desde la editorial se celebraba el evento conmemorativo con la realización de una serie de portadas alternativas para 25 de sus series. Y como la polémica no suele faltar en estos casos, la seleccionada para Batgirl levantó las quejas de diversos sectores, hasta tal punto que llegaron a cancelarla. También pasó con Milo Manara y su sensual retrato de Spider-Woman…Por nuestra parte, dedicaremos una serie de especiales centrados en la figura del Príncipe del crimen y su entorno. Una figura siempre impactante, protagonista de grandes historias y con un pasado y presente televisivo y cinematográfico más que prometedor.

Póster de El hombre que ríe

El Joker entra en acción en el mismísimo Batman nº1, allá por 1940, un peculiar homicida, con un atuendo inspirado en el comodín de la baraja de póquer que ya todos conocemos. Cuentan las historias sobre su creación que el personaje casi deja de existir desde su primera aparición y que su apariencia era fruto de la inspiración estética del actor Conrad Veidt en la película El hombre que ríe, dirigida por Paul Leni. Si a esto sumamos que el film es una adaptación de la novela de Víctor Hugo, estamos ante un personaje cuyas capas míticas no pueden tomarse a la ligera; razón por la cual continúa cautivando a cada nueva generación. El británico Alan Moore definió su identidad en La broma asesina, El hombre que ríe, del guionista Ed Brubaker narró su primer enfrentamiento contra Batman, Lee Bermejo lo retrató como nadie en Joker y Grant Morrison le confirió una sabiduría acorde a su locura en Arkham Asylum: ¿Por cuál vas a empezar?

Portada de El regreso del Joker

El regreso del Joker: La muerte de la familia

El Joker protagoniza su primera gran historia desde el polémico relanzamiento de la editorial, en un claro homenaje a la ya legendaria Una muerte en la familia. En aquel arco Jim Starlin y Jim Aparo nos contaban el deceso del segundo Robin, Jason Todd, a manos del payaso asesino. Sin profundizar demasiado en los cómos y porqués de todo lo ocurrido, hay que remarcar las consecuencias que tuvo la muerte del joven maravilla en la evolución de Batman como vigilante. Con semejante referencia en el título, esta “muerte de la familia”, nos ofrece un enfrentamiento épico entre el héroe y su némesis, en el que el Joker declara su amor incondicional por Batman y la necesidad de eliminar cada miembro de su familia porque esta le debilita: ¿Pueden morir Batgirl, Demian Wayne, Red Robin, Jason Todd y Alfred Pennyworth de un solo plumazo?  El argumento de Scott Snyder es intenso y emocionante a partes iguales, incidiendo en la mitología del hombre murciélago con una mirada sin complejos ni miedos, a la vez que plantea nuevas aristas en la personalidad retorcida del Joker. Los dibujos de  Greg Capullo cumplen como siempre, ideales para historias oscuras como esta, tal y como hiciera con el Spawn de Todd McFarlane. Suyo es el retrato del Joker con la piel grapada, una imagen ya icónica del asesino, que no deja de inquietar al lector que se atreva a verla. El volumen incluye dos entregas de Detective Comics, obra de John Layman y Jason Fabok, con Batman ejerciendo su papel frente a El Pingüino, Hiedra Venenosa y Clayface. Aventuras muy prescindibles si no fuera por su conexión con la trama central, que avanza poco a poco en este primer volumen y que alcanzará su clímax en el siguiente, y último, recopilatorio.

La portada del número 41 de las aventuras del Joker, finalmente retirada por DC Comics

La muerte de la familia no es una muerte en la familia

Para poder apreciar la historia en todo su esplendor habría que releer Una muerte en la familia. No es imprescindible, pero sí altamente recomendable. La historia nos situaba en un punto sin retorno para el encapotado, que asistía impotente a la fragmentación de su familia, después del brutal asesinato de Jason Todd. El Joker apaleaba al joven héroe con una barra de metal hasta que el tic-tac de una bomba llegaba a su final. Así concluía la andadura de un Robin polémico y no muy querido por los aficionados, que parece haber cambiado su papel tras su resurrección y su nuevo status en Gotham. Corrían otros tiempos en a finales de los ochenta y si un personaje no triunfaba demasiado, entonces qué mejor idea que dejar su destino a manos de la votación del público. En 1988, DC pone a disposición de los lectores varios números para decidir si Jason moría o vivía. El resultado dejaría a Batman más tocado que nunca, el papel Robin no volvería a ser el mismo y el Joker ascendería todavía más al paraíso de la maldad. Circo romano en cómic.

Número debut de Harley Quinn

Harley Quinn, de psicoanalista del Joker a protagonista

En el renacido Universo DC, Harley Quinn ha adquirido un nuevo papel. Ya no se trata solo del esbirro y enamorada del Joker, aunque quizá nunca se limitó a eso, ahora Harley posee serie propia y participa activamente en el Escuadrón Suicida, de reciente fama tras el anuncio de su adaptación cinematográfica. ECC recopila sus primeros ocho números en un volumen donde priman el humor y un apartado gráfico sobresaliente.

Jimmy Palmiotti y Amanda Conner son los autores de esta nueva Harley: una apuesta por dar mayor protagonismo a personajes femeninos y ahondar en la profundidad de un antihéroe que siempre ha tenido el visto bueno tanto de la crítica especializada como de los lectores más fieles. Su caracterización sorprende precisamente por mostrarnos a la delincuente no como la desquiciada que es, sino como una persona que sufre una apabullante distorsión de la realidad. Una característica que, convertida en herramienta narrativa, explota una serie con unas particularidades ideales para el personaje: rotura de la cuarta pared, mucha tensión sexual y un humor desopilante. Una serie que recuerda por muchos aspectos al Deadpool más surrealista y que también guarda sus puntos de conexión con Power Girl, precisamente por compartir el arte de Amanda Conner. Si te gusta el Joker, tienes que conocer a Harley Quinn.

¡A leer!

Volvemos a traer viñetas europeas con Belem, de Jean-Yves Delitte, una delicia para los amantes del género marino en el cómic. El prestigioso autor belga rinde un poderoso homenaje con esta serie de cuatro álbumes al Belem, uno de los barcos más asombrosos que hayan salido de los atracaderos galos. Delitte aprovecha una serie de peripecias históricas vividas por la tripulación para recrearlas en unos relatos que se leen solos, a ritmo de viento y marea gracias a Yermo Ediciones.

Portada

Hay algo de Belem, que recuerda a los recovecos portuarios por donde transitaba Corto Maltés, y es que la embarcación sería un asiento de lujo para que la creación de Hugo Pratt protagonizara cualquiera de sus aventuras. Pero estas no dejan de ser simples elucubraciones de quien les escribe, nada más. Lo cierto es que el ambiente de época de Belem desprende un amor, como pocas veces se ha visto, por el mar; una oda a los marineros y al goce de navegar. Por el trayecto nos encontraremos con los desafíos más duros: piratas, las inclemencias de la naturaleza, fuga de presos y erupciones volcánicas. Y para contar todo ello, Delitte no necesita diálogos meticulosos ni grandes personajes, tan solo la conexión entre las cuatro historias corales  y un sobresaliente apartado gráfico.

El Belem era un velero de tres palos construido a finales del siglo XIX y que hoy todavía está ahí, surcando los mares como un barco-escuela. Si quieren saber más sobre el Belem y la institución que lo gestiona visita, indaguen sobre la Fundación Belem. Las crónicas narran cómo el coloso marino salió de Saint-Nazaire en su primera travesía atlántica el 13 de julio de 1896, con destino Montevideo, Uruguay. Fecha en la que nacería la leyenda de una embarcación capaz de soportar incendios, tormentas y ataques de todo tipo.

Interior del cómic

El afán por dejar constancia de cada detalle es sorprendente. Velas, nudos, pequeños botes, brillos en el agua, el claroscuro de la nubes son plasmados al son de un pincel obsesionado por los paisajes y los gigantescos buques de antaño. Los personajes están allí, pero no importan demasiado y aunque quieran ser los protagonistas, el único que verdaderamente cumple ese papel es el majestuoso barco y el entorno marino. Uno puede suspenderse en las páginas, solo para contemplar, olvidándose de la narración. No obstante, esto no quita que se haya descuidado la composición de las páginas, sino todo lo contrario, donde el autor belga juega con todo tipo de tamaño y posición de viñetas. Casi 200 páginas de un viaje hacia otra época, trepidante, dramático, pero sobre todo nostálgico por un fragmento del tiempo donde los barcos eran los dueños del mundo. ¿Te lo vas a perder?

La edición de Belem es en tapa dura, tiene 192 páginas y, para suerte del lector, estamos ante un volumen autoconclusivo. ¿Quieren más cómic relacionado con el mar y las grandes construcciones navales? Recuerden que en La Milana Bonita ya hemos hablado de la adaptación del cuento de Jack London: Lobo de mar, de Riff Reb`s y de terror submarino con El resurgir (The Wake), de Scott Snyder y Sean Murphy.

¡A leer!

Después de cinco volúmenes y cientos de páginas a nuestras espaldas, algún osado podría pensar que Predicador perdería interés o, peor aún, que su historia se haría confusa y sus personajes rozarían la decadencia. A todos aquellos que pensaron tal disparate, tengo que decirles que sigan leyendo porque Predicador colma nuestras expectativas a todos los niveles argumentales, profundizando en las motivaciones de sus personajes, desenmascarando secretos imposibles de adivinar y llevándonos de la mano hacia esa conclusión tan esperada; y todo eso veinte años después de la publicación de su primer número.

Portada de Predicador: Guerra bajo el sol

Como ya habíamos visto en el tomo anterior, Garth Ennis ahonda en el pasado de Starr para que, de algún modo, podamos entender sus intereses más oscuros. A los lápices tenemos a un solvente Peter Snejberg, que cumple con nota alta su aportación a la historia. En este primer bloque vamos a conocer los primeros pasos de este personaje dentro del ejército, el origen de su peculiar forma de pensar y su llegada y posterior ascenso dentro de esa organización conocida como El Grial. Una serie de detalles que no hacen más que ampliarnos el mundo por donde transita el bueno de Jesse Custer y conocer los retorcidos caminos que puede tomar la mente humana. La verdad es que son unas páginas que se leen de una sentada y cuando hemos terminado, ya hemos continuado la historia, justo en ese lugar donde nos dejaba el número cinco de la serie que recopila ECC Ediciones.

Otra vez vuelven El Santo de los Asesinos, más furioso que nunca, Jesse y sus amigos en una carrera contrarreloj para encontrar al Todopoderoso. ¿El lugar? Los desiertos de Arizona, un ambiente terriblemente poético por el significado que estos tienen para nuestro protagonista y su entrañable relación con John Wayne. El final es tan sorprendente y radical que nos obligará a querer tener entre nuestras manos el volumen siguiente. Por el camino quedan docenas de balas, sangre y restos de peyote.

El nuevo villano Odin Quincannon

Después de un final tan abrupto, entra en escena un nuevo malo en la serie: un magnate de la carne llamado Odin Quincannon. Y así, sin saberlo realmente, el empresario local consigue que Jesse Custer pueda emular, por fin, a su ídolo de la infancia, convirtiéndose en el sheriff de un poblado que necesita ser salvado. Aunque parezca un poco forzoso, lo cierto es que eran necesarias tanto las elipsis como la asignación de nuevos papeles que ayudasen a asimilar el peso de todas y cada una de las extrañas consecuencias de las que fuimos testigos. Por ello Predicador: Salvación supone un alto en el camino, el momento perfecto para detenernos y respirar. Han ocurrido demasiadas cosas y nuestros personajes necesitan aceptar, planificar y actuar. Todo esto sin renunciar a unos diálogos brillantes, las dosis habituales de violencia y sordidez y las ya clásicas reflexiones sobre la corrupción, la bondad y la venganza.

Al final vamos a entender el por qué de los vericuetos narrativos de Garth Ennis, extraños, sorprendentes pero siempre coherentes consigo mismos. Por suerte estamos ante una historia donde no existen los cabos sueltos y todo sucede por algo. El círculo se cierra con el final del volumen, la explicación que todos queríamos saber sobre el misterio que circulaba en las últimas páginas de Predicador: Guerra bajo el sol. ¡Ah! ¿No lo saben todavía? Como dije, todo sucede por algo y la conclusión está cada vez más cerca. Dentro de muy poquito podremos disfrutar del final de uno de los cómics más alabados por la crítica y el público.¿Se lo van a perder?

A estas alturas sospecho que no existen demasiadas personas que desconozcan The Matrix, aquella trilogía de películas de ciencia ficción escritas y dirigidas por los Hermanos Wachowski. Protagonizadas por Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss y Hugo Weaving o lo que es lo mismo: Neo, Morfeo, Trinity y el Agente Smith. La película nos contaba el dominio de las máquinas sobre los humanos, después de una guerra tras la cual la población del planeta había sido esclavizada, dejando a la mayoría en un estado de suspensión que recreaba los últimos años del siglo XX. Alabada, criticada, pero por lo general, encumbrada como todo un clásico del cine, pocos son los que saben la inmensa cantidad de coincidencias que esta serie de películas guarda con Los invisibles. ¡Cuidado! Este dato no es nada nuevo y ya muchos son los que han escrito sobre el tema. No obstante, nunca viene mal dar a conocer el origen, y para muchos verdadero material, del cual parte The Matrix. Pasen y lean.

La publicación

Los invisibles es una serie de cómics publicada por el sello Vértigo desde 1994 hasta el año 2000. Fue creada y escrita por el guionista escocés Grant Morrison, con la participación de varios dibujantes y en España, la editorial ECC Ediciones acaba de reeditarla. Una ocasión magnífica para darle una oportunidad a este clasicazo. En este primer volumen, Dí que quieres una Revolución, encontramos los ocho primeros números de su edición original, que a su vez comprenden los dos primeros arcos argumentales: Sin blanca en el Cielo y en el Infierno y Arcadia.

El punto de partida

Digamos que los invisibles son una especie de sociedad secreta formada por personas que han conseguido ver la realidad del mundo tal cual es: una farsa de sistema, manipulada por aquellos que utilizan al ser humano para llevar a cabo sus propios planes. ¿Les suena no?  

Sobre esto Grant Morrison dijo que:

En realidad es muy simple. La verdad es que a los miembros del equipo de producción de The Matrix les dieron la colección de Los Invisibles y les dijeron que hicieran parecerse la película a mis cómics. Es un hecho constatado. Los Wachowski son creadores y aficionados a los cómics y eran admiradores de mi trabajo, así que no me sorprendió nada. Incluso se pusieron en contacto conmigo antes de lanzar la primera película de la saga y me preguntaron si querría contribuir con una historia para la web oficial.

Algunas semejanzas

El parecido físico entre King Mob y Morfeo, la tradicional aparición de un salvador que cambiará el curso de los acontecimientos, la capacidad que tienen los “despiertos” para asumir toda clase de poderes, la idea de que existe una realidad auténtica por encima de la aparente, los viajes espaciales a través de la mente (y no del cuerpo) y las artes marciales como disciplina para enfrentarse a los malos son solo algunas de las muchas igualdades que encontraremos a lo largo de la lectura de la que quizá sea la obra más personal de Grant Morrison.

Las palabras del autor:

No es ninguna extraordinaria coincidencia el hecho de que gran parte de The Matrix, argumento por argumento, detalle por detalle, imagen por imagen sea calcada a Los Invisibles, así que no debería haber mucha controversia. Los Wachowski fusilaron Los Invisibles y todo el mundo en el ajo tiene conocimiento de este asunto, pero por supuesto raramente alguien va a salir a decirlo. Por otra parte estuvo bastante mal que se desviaran tanto del constructo filosófico de Los Invisibles en la segunda y tercera partes, embarrándose indefensamente en una aburrida teología católica, probando que no habían tenido la experiencia que estaba detrás de Los Invisibles y estrellando tanto Reloaded como Revolutions en las rocas de la más absoluta incomprensión. Deberían haberse mantenido robando mi material y quizás habrían creado algo de lo que estar verdaderamente orgullosos… una película que hubiera cambiado la mentes, los corazones y el mundo. Me encantó la primera película, que creo que supone una obra con verdadero genio cinematográfico y muy oportuna, pero he escuchado a varias personas que trabajaron en ella y todas han confirmado que tuvieron Los Invisibles como referencia.

Después de que todos nos hayamos puesto en situación nos toca valorar un conjunto de historias con unos guiones complejos, donde abundan las referencias culturales. Desde las literarias, históricas hasta las filosóficas y religiosas. Todo tiene cabida en Los invisibles, una experiencia que solo podrá disfrutar al completo un lector de cómics habitual. No es que otro modelo de público no sea posible, sino que humildemente creo que la experiencia puede ser mucho más gratificante para alguien familiarizado con el mundo de las viñetas.

El trabajo de Morrison es encomiabe, aunque lo prefiero como agente revolucionador de personajes ya asentados. Sus etapas en la Patrulla Condenada, Animal-Man, la JLA y Batman fueron fabulosas: complejas, entretenidas, profundas, todo lo que un cómic de Morrison asegura. Sin embargo, Los invisibles no me ha terminado de convencer, quedándome la sensación agridulce de estar ante algo muy bueno que no logró engancharme. El apartado gráfico tampoco ayuda, muy irregular y ramplón, con un diseño de personajes que podría haber dado mucho más de sí, más atractivos conceptualmente de lo que vemos en el resultado final.

En conclusión…

Así es como es. Ya no estoy cabreado por este asunto, aunque lo estuve durante un tiempo porque hicieron millones fotocopiando mi trabajo en una Xerox y, para ser honestos, habría sido feliz con algún millón, para no tener que trabajar trece horas cada jodido día, incluyendo fines de semana. En resumen, estaba bastante contento con que pillaran las ideas pero muy decepcionado con que las destrozaran de esa forma, distorsionando todos los aspectos trascedentales gnósticos que hicieron del primer filme algo fuerte y potente. Si hubieran tenido algo de cordura, se habrían hecho mis amigos en lugar de joderme. Parecen buenos chicos.

Para terminar les dejamos con las palabras de su creador al completo, recogidas desde la web Zona Negativa, donde pueden disfrutar de un análisis exhaustivo sobre la obra.

¡A leer!

Cuando era pequeño veía pilas y pilas de aquellas historietas junto a la cama de mi tío Rodolfo o en las manos de mi padrino Orlando. Unas revistas anchas, repletas de páginas tan delgadas como el papel de fumar y portadas tremendamente llamativas. Eran historias para “adultos” y tenía que mirarlas desde lejos, porque en su interior podía pasar cualquier cosa: desde escenas amorosas, cruentas batallas o diálogos algo maduros para que un niño los entendiera al cien por cien. Pero no pudieron esconderlas demasiado bien ¿o querían que las encontrara? Lo cierto es que siempre que podía me las ingeniaba para leer algún ejemplar y dejarme cautivar por historias con un sabor muy diferente al que estaba acostumbrado. Orlando siempre me hablaba de ellos como si se trataran de sus amigos más íntimos, una sensación  fascinante para un niño que encontraba en aquellos “adultos” reflejos de sus anhelos y fantasías secretas. Incluso mi padre, que no es precisamente un amante de los tebeos, me hablaba sobre las andadas del solitario cowboy Jackaroe.

Una de las primeras páginas de Mark

Los protagonistas eran personajes muy distintos a los superhéroes; estos sangraban, lloraban y padecían como cualquiera de nosotros y, por supuesto, no llevaban capa ni trajes de colores chillones. D’artagnan y Nippur Magnum albergaban más de media docena de ellos, tipos duros dispuestos a descubrir cientos de mundos y luchar por lo que creían justo. Podías conocer tanto a piratas como a agentes secretos, enamorarte de mujeres fatales o de encantadoras doncellas, subirte a lomos de un corcel o viajar en la más sofisticada nave espacial. Todo cabía en los personajes de la Editorial Columba, hasta el precio de la inmortalidad, uno de los buque insignia del cómic argentino desde 1928 hasta su desaparición con la crisis del nuevo milenio.

Los años pasaron, mientras seguía escabulléndome a la habitación de mi tío para leer las aventuras de Nippur, Dago y Pepe Sánchez, hasta que pude comprarme mi primer ejemplar, aprovechando el tibio renacer de la empresa. La reedición de sus principales personajes me estaba dando la oportunidad de seguir desde el principio el que se convertiría en uno de mis personajes favoritos y no la iba a desaprovechar. Mark era un tipo grande y fuerte, parco en palabras y siempre con la melena al viento. Un superviviente del mismísimo apocalipsis dispuesto a todo con tal de salvaguardar los restos de la humanidad. Inspirada en la película The Omega Man que en 1971 protagonizó Charlton Heston, film que a su vez era una adaptación de Soy leyenda,  la novela de Richard Matheson ya analizada en La Milana Bonita, la historieta partía de la misma premisa pero con sus diferencias, como no podía ser de otra forma.

La historia

La serie se ubica en un futuro en el que la civilización ha sido arrasada por el desastre nuclear tras el cual los sobrevivientes quedan divididos en tres grupos: los humanos, los mutantes devorados por la nube de gas radioactivo que ha desfigurado sus cuerpos y los “elegidos”. De entre los escombros Mark emerge de su tumba para comprobar cómo sus padres han fallecido para que él sobreviva. A partir de ese momento el muchacho se refugia en las montañas hasta que llegue el momento en que se sienta preparado para recorrer los caminos de ese nuevo mundo. Robin Wood y Ricardo Villagrán concibieron no solo uno de los emblemas de Columba, sino uno de los personajes más queridos por los lectores. Junto a Hawk protagonizaban historias repletas de acción, camaradería y una sutil crítica sobre las clases sociales, el poder y la supervivencia del más apto.

Mark y el inseparable Hawk

Mark sería reeditado en los años noventa hasta que en 1998 apareció Mark 2, esta vez con Pablo Munn en los guiones y Sergio Ibáñez en los dibujos, en una etapa tan breve como poco recordada. En el año 2000 Columba apeló nuevamente a los episodios originales de Mark, Nippur y compañía en un último esfuerzo por sobrevivir, aunque el intento no duraría demasiado.

Vamos terminando…

Cuando mi tío partió su colección pasaría a mis manos, docenas y docenas de números inconexos de Gilgmaesh, Dennis Martin y Savarese. Una herencia que se vería descompensada por el extravío, entre mudanza y mudanza, de mi pequeño surtido de Mark. Resulta curioso pero hoy no poseo ni tan siquiera una copia en mi biblioteca, lo que no ha restado ni un ápice mi devoción por el personaje y los siniestros mutantes encapuchados. Recuerdos de la infancia que mi padrino Orlando se resiste a dejar ir. Y es que sé de buena mano que él sigue contándole a su hijo las aventuras de Dago como si este fuera un personaje histórico, de carne y hueso, con la misma pasión de siempre. Después de reflexionar sobre el tema y escribir este pequeño homenaje no puedo dejar de preguntarme: ¿Volverá el cómic argentino a disfrutar una época similar? Y si lo hace ¿será con aquel éxito y autores de semejante calidad? ¿Regresarán Mark y compañía algún día?

El pasado Sant Jordi, la fiesta del libro  por excelencia en Cataluña, nos dejó varias noticias a destacar. La primera y más importante la reflejaron los titulares de las crónicas matutinas. El Periódico de Catalunya titulaba: “El sector del libro, pletórico”. La Vanguardia, menos entusiasta, también reflejaba los aires de optimismo: “El éxito de Sant Jordi incrementa un 4% los libros vendidos con respecto a 2014″. Que esas cifras son o no suficientes es otro debate, y que el sector editorial y la Cultura en general necesita más apoyos es una obviedad. Pero la otra noticia no es esa, el segundo titular que recuperamos hoy lo dio la lista de los más vendidos. Tras La Templanza, de María Dueñas, y Arturo Pérez-Reverte con su última novela ‘Hombres buenos’; el siguiente en tan disputado podio era…(ruido de tambores)… El Tesorero.

Portada de ‘Mortadelo y Filemón: El Tesorero’

Muchos de los que estéis leyendo estos quizáis os haya dejado indiferente. Otros ya habréis reconocido el título y vuestra sonrisa será tan amplia como la mía cuando ojeé el pasado 24 de abril los más vendidos. Sí, se trata de la última obra de Francisco Ibáñez, maestro por excelencia de la historieta española que volvía a ofrecer a sus fieles lectores una aventura de Mortadelo y Filemón. La pareja de agentes secretos, tan famosa como desastrosa y desternillante, se colaba en un merecido tercer puesto que sirvió para dejar escapar una lagrimita a los más nostálgicos. Las razones eran bien sencillas.

Mortadelo y Filemón: El Tesorero (Ediciones B, 2015) sitúa a los famosos agentes en una misión sinigual. Deben investigar el robo, al completo (solo han dejado las telarañas), de las arcas del Partido Papilar. Y todo apunta, curiosamente, a su tesorero… Muchos ya sabrán en qué noticia de actualidad ha puesto el ojo (y el lápiz) Ibáñez para buscar inspiración. Se trata, claro, del famoso Caso Bárcenas, un episodio real de corrupción en el que está involucrado el Partido Popular (partido que gobierna actualmente en España) y que tiene como principal protagonista a su extesorero Luis Bárcenas, por una supuesta contabilidad no declarada e ilegal que maneja (o manejó) dicho partido.

Luis Bárcenas, extesorero del PP y quien inspira el principal antagonista de ‘El Tesorero’. Foto de: Bernardo Díaz

Pues bien, el eterno historiestista, hábil, sabe que con humor la corrupción no es menos corrupción, pero se lleva mejor. De esta manera ha situado a su dúo en una aventura con tintes de parodia de la realidad con el objetivo, ni más ni menos, de que la gente se ría. Y lo consigue. Ver a Mortadelo y Filemón en una situación tan actual provoca una sonrisa continua desde la página uno hasta la última. Las referencias son continuas, con una aparición estelar hasta de Mamerto Rojoy, la versión en viñeta de Mariano Rajoy, presidente del Gobierno español. Y no son chistes fáciles, sino el maestro del humor y su lápiz adaptados a los tiempos que corren, y se agradece.

Francisco Ibáñez durante la presentación de su último tebeo. Fuente: EFE

Muchos podrán decir que es una acertada maniobra comercial, pero Francisco Ibáñez son palabras mayores. Nació en 1936 en Barcelona. Como historietista perteneció a la denominada Escuela Bruguera, junto a Alfons Figueras, Jordi Ginés ‘Gin’ o Joan Rafart i Roldán ‘Raf’, entre otros. Todos ellos grandes del tebeo español. Como tantos, comenzó de manera humilde, colaborando en revistas humorísticas y suplementos infantiles como ‘Nicolas‘, ‘Chicolino‘ o ‘La Risa‘.  Pero las creaciones de Ibáñez le permitieron dar el salto hacia el éxito gracias a obras como 13 Rue del Percebe, Rompetechos o El Botones Sacarino. Toda una retahíla de personajes y tiras cómicas que son la viva historia de la viñeta española. La pareja formada por Mortadelo y Filemón es la más célebre y sus peripecias en la T.I.A a las órdenes del Super no entienden de generaciones. Pequeños y mayores se agolpaban en las colas de Sant Jordi para conseguir la firma de Ibáñez. Y la ilusión de todos ellos es la mejor manera de escenificar lo que supone el trabajo de este autor.

De esta manera regresan las recargadas viñetas llenas de detalles con un estilo único que, en su versión de Mortadelo y Filemón, cumple con esta historia 200 números. Si por algo destaca este autor barcelonés es que en cada trazado puede haber un chiste, así como en cada palabra y cada diálogo. Aún recuerdo cuando, con la propina, acudía de niño al quisco y debía elegir entre el tebeo de Ibáñez o las golosinas. No hace falta que desvele mi decisión, ya saben que el humor es el mejor de los dulces.

Viñetas de ‘El Tesorero’

Los personajes de Aslak. El ojo del mundo

¿Qué mejor manera puede haber para acercarnos al tono mítico y legendario de una historia que esta nos sea contada por los propios personajes del relato? ¿Y si cuándo abrimos la primera página nos sumergimos de lleno en el ecuador de una fiera batalla entre una hidra escarlata y un bravo vikingo? Así arranca Aslak. El ojo del mundo, sin previo aviso ni florituras, dejándonos claro desde la primera viñeta que podremos disfrutar por igual de una historia donde prima el espíritu de la aventura por la aventura y el crujir del acero. La divertídísima epopeya de Humbert Chabuel “Hub”, Fred Weytens y Emmanuel Michalak es un cómic para todos los públicos. ¿A qué esperas para darle una oportunidad’

La historia nos transporta al hogar de una recóndita comuna vikinga, donde su líder, ya cansado de tener que escuchar  las mismas historias, ejecuta al trovador de la corte y desafía a sus dos hijos mayores, Skeegy y Sligand, a conseguir nuevo material y así poder renovar las leyendas. Ese es el punto de partida para un relato entretenido, repleto de criaturas mitológicas y un apartado gráfico curioso y llamativo. El trabajo de Michalak a la hora de plasmar en imágenes este mundo de fantasía vikinga es notable y sus diseños son uno de los puntos fuertes de esta obra.

Primeras imágenes de Aslak. El ojo del mundo

Como es costumbre en Hub, no tiene problemas en adaptar los elementos estéticos de los vikingos a su antojo, siempre con el objetivo de poder crear su propio mundo fantástico y establecer las conexiones narrativas necesarias para que la aventura no cese ni un instante. Cada nueva situación lleva a la presentación de un personaje que termina vinculado a nuestros protagonistas, ya sea para bien o para mal, lo que nos obliga a no despegar los ojos hasta la última viñeta.

Lo más llamativo de este nuevo acercamiento al mundo vikingo es el tono desenfadado y atrevido del escritor, más pendiente de ofrecer un producto entretenido que uno que nos permita filosofar con el modo de vida y el sistema de creencias tan peculiar y atractivo de los legendarios norteños. En Aslak. El ojo del mundo veremos elfos, trolls y serpientes marinas caricaturizados, poco rigor histórico y una rica amalgama de personajes con los que empatizaremos desde el comienzo. En conclusión: Hub nos regala una historia donde la ambientación resulta muy atractiva, con una galería de monstruos completísima, un toque de humor negro, buenos personajes y un apartado gráfico a la altura del dibujante Emmanuel Michalak, un colaborador habitual del guionista  francés. Si sientes especial interés hacia el mundo nórdico, Aslak. El ojo del mundo es para ti.

Esperamos ansiosos la segunda parte que, seguramente, nos traerá Yermo Ediciones dentro de un tiempo.

Portada de ECC

John Constantine es tan maleable que jugar con su personalidad y entorno terminan consagrando definitivamente a los guionistas que deciden hurgar en su cerebro. La lista ya la hemos mencionado en otras oportunidades, pero nunca está de más recordar que unos señores llamados Alan Moore, Steve Dillon, Brian Azzarello y Warren Ellis, quien hoy nos acompaña, han pasado por su manos. Sí, no se equivoquen, los escritores no tienen demasiado poder de decisión cuando nos cuentan una historia sobre John, ya que es el propio Constantine quien les susurra, palabra por palabra, lo que deben escribir. El mago más mordaz de los cómics manipula a quien se cruce en su camino, independientemente que quien tenga delante sea un demonio o un autor de otra dimensión. Matanzas, rituales, invocaciones, el sacrificio de inocentes, borracheras interminables y mucho humo. A partir de allí cada cual puede aportar lo que considere oportuno a su turbio universo.

Continúa la recopilación por etapas de Hellblazer, un motivo de alegría para todos los que adoramos a John, pero también para aquellos que quieran descubrirlo y perderse en las páginas de un magnífico personaje. Hoy es el turno de un escritor de fama reputada, creador de The Authority, Planetary y esa maravilla llamada Transmetropolitan. Con todos ustedes, el guionista británico Warren Ellis.

Puedes encontrar nuestra reseña sobre el primer número de Transmetropolitan aquí

John Constantine en estado puro

Solo basta leer las primeras viñetas para entender el modo en que Ellis caracteriza al mago: monólogos interiores absorbentes, diálogos ágiles y un conjunto de historias tan adictivas como poderosas. Y así nos chocamos de bruces con la primera de todas ellas, como si nos propinaran un golpe seco directo al hígado: una antigua amante de John aparece muerta en extrañas circunstancias, extrañas evidentemente para nuestro brujo preferido, que no duda en investigar un caso que le sobrepasa rápidamente. Con esta premisa arranca “Atormentada”, el relato más extenso del guionista en la cabecera. A su vez destacamos las inclusiones de “Cenizas y miel”, de Darko Macan y el divertido y sucio relato de Dave Gibbons, “Otras putas navidades”. Del apartado gráfico nos quedamos con el trabajo de John Higgins, el trazo sucio de Frank Teran y las figuras desgarbadas de Tim Bradstreet.

Hellblazer, según Warren Ellis:

1. Historias autoconclusivas: Por diversos motivos la andadura del guionista en Hellblazer no fue demasiado prolífica, lo que nos ha impedido disfrutar de historias extensas, de esas de números y números en las que el misterio se contrae según los caprichos del escritor. Una situación que no impide, en absoluto, que nos deleitemos con una rica variedad de relatos breves, contenidos y crudos.

2. Terror y crueldad humana: Para Warren Ellis hay monstruos y criaturas infernales, pero los peores, sin lugar a duda, son los propios hombres. Bajo las máscaras de magos y asesinos se esconden los auténticos enemigos de John Constantine.

3. La importancia de las cajas de texto: La voz de nuestro protagonista cobra vida propia gracias a esas profundas reflexiones privadas, monólogos interiores de una potencia narrativa que da gusto leer y volver a leer.

4. Londres y el uso de los secundarios: El Londres de John Constantine y Warren Ellis es un Londres misterioso, provocador y terrorífico. La ciudad se mueve como un  personaje más, convirtiéndose en el único escenario posible para contar los crímenes y asesinatos que ocurren en Hellblazer. La ciudad inglesa que se nos ofrece nos retrotrae directamente a la época victoriana, una etapa dominada por la sombra de Jack El Destripador, donde todo podía ocurrir. Por otra parte se agradece la participación de Chas, el taxista salvavidas de John, y el personaje de Mapa, un brujo vestido de obrero ferroviario, capaz de doblegar a su voluntad raíles y vagones gigantescos.

Y esto, queridos lectores, son solo algunos retazos de los que les espera si deciden leer Hellblazer, de Warren Ellis.

¡100% recomendable!

Continuamos celebrando el aniversario del villano más carismático del cómic con la segunda parte de nuestro especial dedicado al Joker, en el que no solo nos detendremos en sus influencias, sino que aprovechamos la ocasión para traerles dos cómics que, a su modo, son importantes para que entender su presente.

Ilustración de Emiliano Buzzo

Si el Joker en manos de Dennis O’Neil volvió a ser aquel asesino despiadado que había sido en sus primeras apariciones, fue Englehart el responsable de recuperar su aspecto de bromista desquiciado que no solo se limitaba a matar, sino que era capaz de tramar enrevesados planes para conseguirlo, tal como el que nos ocupa en esta historia donde no falta nada ni nadie.

El regreso del Joker. La muerte de la familia, segunda parte

Todo ha sido dispuesto para que su Majestad Batman sea coronado como el rey de los dementes. Scott Snyder pone punto y final al regreso del Joker en el Nuevo Universo DC, con una historia tan ambiciosa que, en su conclusión, nos resulta un tanto decepcionante. Resulta contradictorio criticar una buena historia, que no excelente, donde disfrutamos de una de las interpretaciones más retorcidas del personaje. El payaso vence al murciélago solo para volver a ser derrotado, con la salvedad de que esta vez nos ha hecho ver que el verdadero Batman, el auténtico, es el solitario. El Joker no solo le dice al encapotado que su verdadera esencia radica en la soledad, también nos lo dice a nosotros, que sabemos que es así, que tantos aliados y “batfamilia” le han hecho ser más vulnerable y previsible que nunca. Tal y como ha sido planteado el mensaje, con independencia de la conclusión, podemos decir que el Joker ha sido el ganador de la contienda. En el apartado gráfico Greg Capullo sigue inmenso, poniendo así la guinda al pastel para una etapa que, con los años, será más que recordada, al igual que lo fue su paso por Spawn. El volumen incluye los números correspondientes a Detective Comics, una excusa para prolongar la historia con un arco centrado en la tribu admiradora del delincuente.

Aquí el cómic

El regreso del Joker. Parte final

La modernización del Joker

La lista de los guionistas estrella que han trabajado con el Joker solo es equiparable con la de los mejores dibujantes de la industria y de entre ellos, los más destacados pusieron rostro al Payaso Príncipe del Crimen. El nacimiento del Nuevo Universo DC pospuso el reencuentro entre el héroe y su némesis, ya que desde la editorial consideraban oportuno la introducción de nueva savia para hacer frente al Hombre Murciélago. No obstante, dicha reunión no podía demorarse mucho más y después de enfrentar a Batman contra la Corte de los Búhos, el Joker volvió y de qué modo. Greg Capullo ha dado forma al Joker en su máxima perversión, con una estética más cercana a los monstruos del cine de terror que al de los superhéroes. Un camino fuertemente influenciado por el Batman fílmico de Christopher Nolan, las sombras del Joker de Frank Miller, el trazo retorcido de Lee Bermejo y el espigado bufón concebido por Jim Lee.

Portada

Silencio

Si te interesa acercarte al mundo de Jim Lee en el universo Batman, su aportación gráfica más significativa la encontramos en Silencio, con guiones de Jeph Loeb. La factura del dibujo de Lee es de una belleza, perfección y prolijidad tan grande que solo por ello podemos perdonar los huecos en el argumento y la aparición, casi sin sentido, de un buen número de justicieros y criminales: desde Superman hasta Hiedra Venenosa, pasando por la introducción de un nuevo rival para Batman. Lo cierto es que el artista gráfico consigue imbuirnos en una historia que de haber sido dibujada por otro no nos habría cautivado en lo más mínimo. Batman debe hacer frente a un misterioso acosador llamado Silencio, una excusa para escarbar en el pasado de Bruce Wayne y profundizar en la relación amorosa con Catwoman y su amistad con el Hombre de Acero.  La lectura de las 376 páginas se convierten en un espectáculo visual sin parangón para todos los que disfrutamos con uno de los agentes revolucionarios del cómic de los noventa. Por el camino no falta ocasión para toparnos con su visión del Joker, de rostro enajenado, cuerpo estirado y sonrisa demencial. ¡Ah! ¡Harley Quinn también aparece! Lamentablemente este trabajo no se encuentra entre los más destacados de Jeph Loeb, muy distante de sus épocas de gloria con El largo Halloween, siendo lo más significativo la forma en la que juega con la posible vuelta de Jason Todd, el Robin caído.

Acá el cómic

Jim Lee y sus figuras

El Joker regresa, aunque realmente nunca se había ido, de la mano de Scott Snyder y Greg Capullo en una historia que reúne a tanto héroe y villano, casi como lo hacía aquel Silencio de Jim Lee. ¿Es esto el final? ¡Ni por asomo! Todavía nos quedan mil y una historia por contar y más de una docena de guionistas y dibujantes por referenciar, pero no desesperen porque en breve traeremos la conclusión para este aniversario con alguna que otra sorpresa. Mientras tanto nos preguntamos: ¿Cuál es tu historia preferida del Joker? ¿Qué recomendarías dejando de lado los clásicos?

Portada de Fragmentos del mal

Los japoneses tienen algo particular a la hora de concebir sus historias de terror, algo que les permite imaginar lo siniestro de un modo único y reconocible para cualquier lector. Ya sea por la destreza que demuestran al entremezclar conceptos y mundos imposibles y hacerlos circular o por su habilidad para conseguir que la estética manga encaje como un guante para el género; su estilo funciona y realmente te inquieta.

Hoy entramos en el mundo de Juji Ito, un artista tan completo como aterrador, autor tanto de las diferentes historias como de los dibujos que anidan, nunca mejor dicho, en estos Fragmentos del mal.

El manga que tenemos delante nos regala diferentes historias breves en las que el hilo conductor es incomodar al lector, del modo que sea. Algunas lo consiguen más que otras, pero todas resuman terror. La portada nos retrotrae al famoso cuadro El grito, de Edvard Munch. No obstante, el por qué de la similitud lo descubrimos en la tercera historia del compendio.

1-Futón. Probablemente la historia más sencilla y menos arriesgada que recupera aquella idea de escondernos debajo de una manta para huir de nuestros demonios más íntimos.

2-Espectros de madera. Con esta narración Junji Ito toca uno de esos temas tan recurrentes en el género como todos sabemos que son las casas encantadas. En este caso conocemos a una mujer que vive obsesionada con una de ellas sexualmente, entre otras perversiones.

El ave negra

3-Tomio y el jersei rojo de cuello alto. Una de las más raras que componen la antología. Una bruja, una novia despechada y un jovencito que parece haber perdido la cabeza por amor, literalmente, nos acompañan en el relato que ilustra la portada del tomo.

4-Una separación lenta. Una historia bien construida, de las más extensas y con menor carga terrorífica que sus predecesoras. Tan solo la presencia de unos fantasmas nos hacen palidecer, pero ni siquiera. Bonita, rara y un tanto predecible, pero me ha gustado. Te deja pensando la obsesión por el recuerdo y nuestra incapacidad para dejar ir.

5-Miss Disección. Divertidísima historia en la que conocemos a una adicta a las disecciones. Sí, tal cual lo leen, nuestra protagonista busca desesperadamente algún valiente que se decida abrirla en canal. Miss Disección es el todo de esta historia. Su mirada y su sonrisa son completamente perturbadores.

6- El ave negra. ¿La mejor historia del volumen? Quizás. Mucho misterio, estéticamente grotesca y con un final bien cerrado. Animo a que todos la lean sin saber absolutamente nada sobre su argumento.

7- Magami Nanakuse. Una fanática obsesionada con una escritora se sumerge en un relato más macabro de lo que parece a simple vista. Buen planteamiento, desenlace más discutible.

8- La mujer que susurra. Tanto el título como la siguiente imagen son bastante claras. Déjense llevar.

Interior del manga

Algunos puntos en común:

Los giros en el final: Hasta no abrir la última página no sabemos cómo concluyen las historias. Tradicional, sí. Efectivo, también.

Tramas alrededor de un personaje: Cada historia gira sobre una víctima y su acosador. A veces imaginario, a veces real. Siempre inquietante.

Dibujos espectaculares: El arte gráfico de Junji Ito aterra e hipnotiza. Uno no puede dejar de admirar sus retorcidos dibujos, una y otra y otra vez…

Todo lo bueno tiene un final y, como tal, Predicador también ha llegado a su conclusión. Hay que saber dejar de lado el afán continuista y proferir el cierre que se merecen las buenas historias, que tampoco es tan fácil, ni común, que lo hagan correctamente.

Durante su publicación original Garth Ennis y Steve Dillon tocaron la cima del mundo del cómic en los espectaculares cinco años y sesenta y seis números que conquistaron a los seguidores más fieles de la línea Vértigo. Las cifras hablan por sí solas: 50.000 ejemplares mensuales en su mejor época, el halago de la crítica especializada y el encanto de sus lectores, además de recibir prestigiosos premios al guion y a la serie en su conjunto. Hoy Predicador se ha convertido en una lectura atemporal, reeditada varias veces en España y recientemente confirmada como futura serie de televisión bajo la batuta de AMC.

Predicador:”Álamo”

Nuestras reseñas recogen la serie al completo:

Predicador nº1: Rumbo a Texas

Predicador nº2 y nº3: Hasta el fin del mundo y Orgullosos americanos

Predicador nº4 y nº5: Historia Antigua y Dixie Fried

Predicador nº6 y nº7: Guerra bajo el Sol y Salvación

Predicador nº8: Se acerca el infierno

Portada de Predicador: “Se acerca el infierno”

El avance del tomo nos deja presenciar la caída en picado de Starr, uno de esos villanos tan malvados como sufridos, pero para ello hay que llegar a las últimas páginas. No aporta mayores datos a la historia, más bien continuar con el tortuoso camino que el Gran Padre se ha marcado hasta dar con Jesse Custer.  Sin embargo, lo más interesante lo encontramos en los esperados reencuentros que se producen entre Jesse y Tulip, una de las mejores relaciones de pareja del entramado viñetístico, y Jesse y Cassidy, aunque este último sea más bien un primer contacto para lo que será el verdadero reencuentro de familia que promete el último número. Lo mejor: los flashbacks que nos muestran el pasado del vampiro, un verdadero parásito que no solo se conforma con la sangre que necesita para vivir, sino también con la propia desgracia humana. Tampoco hay que desmerecer el avance de la historia de Caraculo, un auténtico desgraciado que se ha erigido en todo un rockstar, solo para caer otra vez, víctima de la crueldad de las empresas discográficas, y convertirse en el mejor símbolo del consumismo absurdo y descerebrado que impera en nuestra sociedad. Historias personales que nos aportan con mayor o menor detalle aspectos que hasta ahora desconocíamos de nuestros protagonistas, solo  para aletargar un poco más el desenlace religioso-místico que está por llegar. La sorpresa: El número con el que arranca el volumen escarba en la infancia y adolescencia de Tulip, el más completo y revelador para comprender la personalidad de nuestra matona preferida. También me han gustado los matices sobre Amy, un secundario un tanto desperdiciado a lo largo de la serie.

Predicador nº9: Álamo

Nostálgica portada de Predicador: “Álamo”

Si hemos llegado hasta este punto sabemos de la importancia de un título como “Álamo” para lo que es la mitología de Predicador, una gigantesca road movie por Estados Unidos, con constantes alusiones al Lejano Oeste, el género western, el profundo sentimiento patriota de los norteamericanos y la fascinación del protagonista por John Wayne, el Duque. Simplemente evocador ¿verdad? Dicho esto y teniéndolo muy en cuenta abramos el telón:

1. Jesse Custer se reúne con el Santo de los Asesinos para tender una trampa a Dios y formar así un inesperado dúo contra el Todopoderoso.

2. Starr se libera de las ataduras de su posición para hacerse con el dominio total de la organización con fines apocalípticos que preside y así poder emplear todos los recursos disponibles para atrapar al predicador más buscado.

3. Jesse y Cassidy deciden poner fin a su tortuosa relación de amistad. Simplemente épica.

4. Tulip se vuelve a cabrear, para variar.

5. Caraculo concluye su peculiar odisea en Salvation, pueblo al que salvó Jesse en el pasado.

6. Gran resolución para el triángulo amoroso entre Hoover, un ex socorrista de piscina reconvertido en esbirro de Herr Starr al que la palabra de Custer condenó a contar granos de arena en la playa, la agente Featherstone y el propio Patriarca del Grial. Imperdible.

7. Todo esto acompañado con unos diálogos fantásticos, el dibujo de Steve Dillon y las estupendas portadas de Glenn Fabry.

Conclusiones:

Predicador fue una de las piedras angulares del mejor Vértigo, de ese que cuesta reconocer en la actual arquitectura del Nuevo Universo DC, donde tanto se entremezcla lo sobrenatural con lo superheroico, tergiversando personajes y líneas argumentales que tan bien habían sido definidas hace más de una década. Por suerte para todos nosotros siempre nos queda volver hacia el pasado mejor y reecontrarnos con este Predicador, pero también con Hellblazer, La cosa del pantano u otras genialidades más recientes como Y: El último hombre; lecturas de otro tiempo que, a su vez, saben entenderse en cualquier momento.

Gracias Garth Ennis y Steve Dillon por regalarnos una historia capaz de darnos asco, gracia y toneladas de reflexiones sobre la fragilidad de la vida, la muerte, el amor auténtico y el perdón, por atacar los fanatismos exacerbados y por poner rostro a los intolerantes. Gracias por haber creado a Jesse, Tulip y Cassidy, unos personajes imposibles de olvidar, tal y como lo refleja la instantánea imborrable de la portada del último número. La verdad es que me lo he pasado en grande.

¡A leer!

Portada de SpacemanBooks

Los buenos cuentos de hadas son oscuros y crueles por naturaleza, narraciones envueltas en papel de caramelo que esconden símbolos y violentas reflexiones sobre los anhelos del ser humano. El cine, la televisión y un sin fin de artistas se han encargado de tergiversar su esencia, parodiando lo que una vez fueron. Caperucita Roja, El flautista de Hamelin, La Sirenita, Blancanievas y La Cenicienta encabezan un peculiar listado de cuentos de hadas profundamente macabros, pero tan infantilizados que resultan casi irreconocibles con sus versiones literarias originales. Hoy rescatamos esta idea para traerles un cuento de hadas moderno que, entre otras virtudes, abraza su pasado más tenebroso sin ninguna clase de miedo.

Interior de “Preciosa oscuridad”

Preciosa Oscuridad abre el telón con la ya clásica escena de amor entre la protagonista, Aurora, y el esperado príncipe azul. Hasta ahí todo normal, continuamos leyendo y vemos a la adorable pareja tomar tarta y chocolate, pero de repente algo ocurre y el techo comienza a desprenderse, un material viscoso y rojo cae sobre ellos, obligándolos a salir. Como si fuera una película abandonamos los planos más cerrados para descubrir en un gran plano general, una espectacular página completa, el cadáver de una niña humana, el hogar de Aurora y el príncipe y docenas de personajes que escapan asustados ante el colapso de su mundo.

Durante la lectura no sabemos quiénes son estos seres ni tampoco por qué vivían en el cuerpo de la niña, aunque sí podemos especular y elucubrar teorías al respecto. El escritor no revela nada ni parece que sea su intención aportar unos datos que, evidentemente, ha considerado innecesarios para lo que quiere contar. Una lectura adictiva que se lee en muy poquito tiempo y que, seguramente, vuelva a releer con el paso de los años.

Los franceses Fabien Vehlmann y Kerascoët son los autores de esta estupenda obra que nos recuerda lo aterrador y reflexivo que puede llegar a ser un cuento de hadas bien narrado. No entraremos aquí en los sistemas de clasificación de Vladimir Propp o las definiciones realizadas por J.R.R. Tolkien sobre el género, tan solo recordamos lo que pretendían ser aquellos cuentos en sus inicios con la visión distorsionada que hoy nos hacemos, principalmente por su asociación a la factoría Disney o su público “objetivo”.

Preciosa Oscuridad rinde tributo a los cuentos de hadas antiguos, aquellos en los que los finales felices no estaban asegurados y en los que se aprovechaba la aparente simpleza del género para indagar sobre la propia condición humana. Fabien Vehlmann y Kerascoët recogen estos atributos y nos los traen a nuestro tiempo, mientras somos testigos del proceso de descomposición del cadáver de una infante y la adaptación al nuevo entorno que sufren los protagonistas. Las alusiones a El señor de las moscas también están ahí, tan salvajes como evidentes: niños que hacen lo que sea con tal de encontrar comida y un refugio donde dormir. Reflexión doble sobre la crueldad infantil y el instinto de supervivencia reflejado no solo en la construcción de un guion inteligente, donde destacan más los silencios que los diálogos elaborados, sino en la capacidad narrativa del dibujo al ofrecernos una historia diferente de la que leemos. Y si Aurora intenta por todos los medios preservar la inocencia, las escenas grotescas decoran y enseñan al mismo tiempo una buena tanda de historias paralelas, breves e impactantes. La construcción de la personalidad, cómo encajar dentro de una comunidad y el egoísmo más exacerbado se dan cita en Preciosa oscuridad.

El apartado gráfico

El trabajo de Kerascoët es sobresaliente: colorido, infantil, delicado, pero también sórdido, detallado y profundamente cruel.

¿Pero quién es Kerascoët? Este personaje nace en el 2000 y no es más que la identidad adoptada por una pareja de diseñadores franceses: Pommepuy Marie y Sébastien Cosset. El nombre rinde homenaje a la pequeña aldea británica donde creció Marie.

Aquí les dejamos con su página personal. ¡Una maravilla!

Y si lo que algún despistado pretendía era evadirse libremente ante una historia edulcorada y remilgada, para este momento ya se habrá podido dar cuenta de que este libro no era para él.  Para todos los demás, ya lo saben…

¡A leer!

Spider Jerusalem

Podríamos decir que una de las principales características del periodismo gonzo es que sus autores no son periodistas al cien por cien objetivos, valga la redundancia porque esto es algo que ya sabemos de antemano, sino que han decidido involucrarse por completo en la historia, basando el cien por cien de la narración en el “yo” o lo que es lo mismo en este caso: bajo el prisma de Spider Jerusalem.

El primer volumen del que hoy vamos a hablarles, Pasión por vivir, nos trae un conjunto de historias tan diferentes como interesantes. Por un lado tenemos tres relatos autoconclusivos, cuánto se agradece, centrados en expandir el universo cyberpunk en el que transcurre la serie. Los restantes nos presentan una historia donde volvemos a visitar el pasado de nuestro protagonista y, entre otras cosas, el de su “querido” editor Mitchell Roy.

Pasión por vivir

Warren Ellis se muestra tal cual es, un escritor sin tapujos en alzar la voz contra lo peor del ser humano. Toda una declaración de intenciones firmada y sellada con el trabajo de Darick Robertson, el complemento ideal para el guionista, que con su dibujo representa mejor que nadie los guiones de Ellis, sucios y violentos hasta la médula. No es difícil ser mordaz o cruel, pero hacerlo con elegancia, inteligencia y, en fin, un poco de estilo no está al alcance de todos. Tres relatos de ciencia ficción, donde nos encontramos con conceptos tan jugosos como los de la transferencia de mentes o la existencia de una máquina capaz de recrear lugares y tiempos concretos ¿Qué más se puede pedir? ¡Ah! Resultan imperdibles los intentos de Spider Jerusalem por obtener, al menos, una conquista femenina ¡Humor socarrón a raudales! La historia que cierra el volumen ahonda en el pasado de nuestro periodista favorito, presentándonos más conceptos futuristas y alocados, además de una larga lista de asuntos pendientes a los que Spider Jerusalem deberá hacer frente. Personalmente me quedo con las historias autoconclusivas del comienzo, muy amenas, entretenidas y siempre introspectivas.

… 12 números (los seis del volumen anterior más los presentes) y un año después de su estreno bajo el sello Hélix, la serie pasaría a Vértigo para convertirse en una de sus caras más conocidas…

El año del cabrón

Y llegamos a El año del cabrón, un tomo que profundiza en el tema político al colocar a Spider Jerusalem como principal responsable de la cobertura de las elecciones presidenciales. El actual presidente, Bob Heller mejor conocido como La Bestia, versus el aspirante, Callahan, el hombre de la eterna sonrisa. Para complicarlo todo un poco más entra en escena una nueva ayudante, Yelena, que sustituye a la incombustible becaria Channon. La introducción de Yelena nos permite conocer al reportero desde una nueva perspectiva, revelándonos el por qué de su consumo indiscriminado de drogas, entre otras sorpresas. En El año del cabrón nos hallamos ante una historia que denuncia el sistema político, desde nuestro papel como votantes acomodados a la clase política en general, sin ninguna esperanza de cambio.

Como buen cómic de Warren Ellis el tema político lo impregna todo, desde la primera página, y solo Spider Jerusalem puede desenmascarar las patrañas del sistema político económico en el que vive su sociedad. La verdad, esa extraña amiga que el periodismo intenta atrapar, es solo una de las tantas enseñanzas morales sobre la profesión en Transmetropolitan. Un cómic hecho para todos, pero que los periodistas pueden disfrutar todavía un poco más ¿Te lo vas a perder?

Fishman, de Francisca Aleñar Chortey

Hace aproximadamente dos años y medio nació un proyecto social y cultural que en breve dejará de existir por diversos factores, incrementando el número de iniciativas fallidas, que especialmente en España no son pocas. Revista Exarchia duró lo que duró dejando entre sus cientos de páginas artículos sesudos, entrevistas comprometidas y un buen número de análisis que pretendían abrir un foro de debate entre la ciudadanía vallisoletana con el resto del mundo. Acercar la cultura, la política e impulsar el intercambio de opiniones para mantener en movimiento nuestras preciadas neuronas. En la parte que me toca, junto al trabajo de Francisca Aleñar y Matías Noel en los lápices, tuve la ocurrencia de dar vida a un periodista con cabeza de pescado que respondía al nombre de Fishman. Un reportero que comenzó su camino recordando noticias y eventos pasados con la intención de refrescar la memoria al lector y que terminó enzarzado en una lucha contra los que manejan los hilos informativos desde las sombras. Aquella idea de combinar periodismo y viñetas tuvo sus puntos positivos y negativos, como todo proyecto, y como tal no había nacido porque sí, sino que había sido fuertemente influenciado por las famosas crónicas de guerra del periodista y dibujante Joe Sacco.

A un salto todas las aventuras de Fishman:

Fishman y Wikileaks

Fishman y el corralito argentino

Fishman y Arauca

Fishman y el movimiento OKUPA

Fishman y la ley ciudadana

Fishman: Memorias de pescado

Fishman: La guerra de los periodistas  

Yonqui de la guerra

Yonqui de la guerra

Joe Sacco nace en Malta en 1960, vive su infancia en Australia hasta finalmente residir en Estados Unidos entrada la adolescencia. Periodista, dibujante y cronista de guerra, Joe convirtió el cómic en el mejor sistema para contar lo que ocurría allá donde iba. Sus grandes obras, Palestina en la franja de Gaza y Gorazde: zona protegida, le han dado reconocimiento y prestigio, mientras que su modo de trabajo se ha hecho reconocible en el mundo entero. Yonqui de la guerra recopila parte del material realizado por Joe Sacco para el serial Yahoo a comienzos de los años 90. Un cómic que podríamos decir que es mitad autobiográfico, mitad crónica de guerra, que empieza con Sacco y sus colegas de una banda de música viajando en furgoneta en una gira por Europa. Una historia que también homenajea al cómic más underground y, por supuesto, al gran Robert Crumb. Una recopilación de anécdotas sórdidas, divertidas pero muy gamberras sobre lo que se cocía durante los años 70.

Tiempo de opinión

Aunque el valor de Sacco como periodista y viñetista se encuentra fuera de toda duda, esta primera aproximación a su particular modo de narrar me ha parecido bastante confuso y caótico. Evidentemente es lo que busca con la historia de los músicos y esa psicodelia que tan bien sabe representar a través del dibujo caricaturesco y la laberíntica composición de las cajas de texto. No obstante, la lectura es demasiado desordenada y, en general, no me ha gustado. Está muy bien eso de querer a un lector activo, pero cuando pierdes el hilo de la historia intentando adivinar que has leído constantemente, la sensación cansa. Ocurre todo lo contrario con la segunda, donde se entremezclan los recuerdos de su madre como superviviente de la II Guerra Mundial en el asalto de Abisina con un dibujo más cuidado y apropiado para este tipo de historias.

Yonqui de la guerra nos trae reflexión histórica, pero también denuncia sobre la adicción del ser humano por el combate, la supremacía y la necesidad de la guerra como justificación de nuestros avances. Nos aguardan varios relatos donde podemos leer sobre la manipulación informativa, cómo no, en tiempos de guerra y el escaso valor de la vida cuando hay misiles de por medio. El nivel de las historias sube con el discurrir de las páginas, abandonando unas líneas argumentales que no conducían a ninguna parte. Eso sí, el dibujo no decepciona ni decae en una sola viñeta.

En conclusión, estamos ante un volumen interesante que, aunque no reúna los mejores trabajos del periodista, nos permite degustar fragmentos de un material experimental, clave, para lo que serían sus obras maestras centradas en la Guerra del Golfo y los conflictos en Palestina y Oriente Medio.

¡Periodismo y cómic se reúnen otra vez en La Milana Bonita!

Quien se haya sentido atraído por el titular esperando alguna semejanza con el estupendo libro De ratones y hombres de John Steinbeck, lamento decirle que ha caído en la trampa de un encabezado llamativo que conserva la misma estructura que el de la famosa novela. Lo siento, Lobo no permite los devanes cerebrales de ningún tipo, salvo aquellos que sean literales. Una rodaja por aquí y otra por allá.

Lobo siempre se queda con la última palabra

El Hombre, uno de los tantos apodos que recibe Lobo, vive aquí su particular génesis como personaje. El último czarniano representa la carta de presentación que todo buen aficionado a los cómics debería leer si pretende entender el abc de un tipo difícil de definir. Una aproximación interesante planteada desde dos puntos de vista: mientras Lobo debe proteger la integridad de su profesora de cuarto curso en un viaje plagado de peligros, también debe lidiar con el hecho de que precisamente fue ella la autora de su biografía no autorizada. En ella podemos leer, literalmente porque podemos entrar en las páginas del libro, el nacimiento y la perversión del cazarrecompensas más odiado del cosmos.

Apartado gráfico

Si por algo se caracteriza Simon Bisley es por su capacidad para pintar el lado más grotesco y excesivo de sus personajes y entornos. Qué manera de ofrecer violencia gratuita, porque sí, repito, y docenas de personajes bizarros, cada uno más retorcido que el anterior. Cuerpos deformes, hipermusculados o atrofiados, mandíbulas desencajadas y expresiones de locura. Ese es Simon Bisley, un experto en lo que hace. Atentos a su versión de Papá Noel y el folclore navideño, te arranca más de una mueca socarrona. Recomiendo especialmente esta reedición de El último czarniano para los seguidores de Cazador, la historieta argentina para adultos de Jorge Lucas y Ariel Olivetti, entre otros. Los entendidos sabrán por qué lo digo.

Lobo, de convenciones

Cuando Lobo nació en 1983 pocos podían augurar el éxito del personaje durante los 90, una época recordada por la cantidad de héroes de acción que asaltaban pantallas de cine y televisores por igual. Una situación muy familiar si tenemos en cuenta el furor del superhéroe que estamos viviendo en los últimos años gracias al film de Los Vengadores o la serie Arrow. Si queremos establecer una lectura simbólica sobre Lobo, y será de las poquitas que podremos hacer, tenemos que proseguir con la línea planteada por los expertos cuando dicen que sus andanzas deben entenderse como una sátira de aquellos años dorados de Sylvester Stallone, Arnold Schwarzeneggery Jean Claude Van Damme.

Si con la lectura de El último czarniano conocíamos la gestación del villano en Lobo: El regreso asistimos, entre otros deleites, a la caída del asesino y su extraña ascensión al paraíso, condenado a tocar el arpa celestial. Leer las correrías de Lobo en una convención de cómics cierra con broche de oro un tomito ideal para los que rondan o superan la treintena y crecieron con él.

Apartado gráfico

En este segundo recopilatorio tenemos que sumar al nombre de Simon Bisley el trabajo de Christian Allamy Y Kevin O’Neill, que lejos de palidecer ante el trabajo del inglés consiguen ofrecer un retrato más que digno de El Hombre. Lo que no considero que se ajuste al estilo del personaje es el abuso de los colores chillones, imperdonable. Una gama cromática que evidentemente quiere saturar y provocar la misma sensación de hastío que emana el mismo Lobo, pero es que tal cantidad de color no encaja, se mire por donde se mire, con un personaje que se maneja mejor entre el contraste, el uso de las sombras, las líneas pronunciadas y los contornos negros.

Lo bueno: El arte gráfico de Simon Bisley en todas sus expresiones.

Lo malo: Algunas de las historias  de Alan Grant se hacen un tanto repetitivas.

Portada

Las historias de misterio y suspenso adquieren una nueva dimensión cuando Jacques Lamontagne participa en ella. Sí, el guion corre a cargo de Thierry Gloris, autor de Waterloo 1911, Saint-Germain y Ainsi va la vie, un experto en el manejo y ritmo interno de las historias, pero el trabajo gráfico de Lamontagne destaca por encima del de su colega que, aunque bien resuelto, termina por ponerse al servicio del dibujante, y no al revés como muchos creen. Aunque esto, ya lo saben, no es más que una opinión. Pasen y extraigan conclusiones, Aspic, detectives de lo desconocido: la enana de los ectoplasmas.

Nuestros protagonistas

Auguste Dupin es un veterano investigador de la ciudad al que se le encarga la misión de encontrar a una médium, y así dar inicio al intrigante caso que se cuece entre sus manos. Flora Vernet es su aprendiz, una mujer adelantada a su tiempo, que no permite que nadie le pase por encima ni le amedrente en lo más mínimo. Mucha atención a Hugo Beyle, un hombre con las manos demasiado largas. Por cierto, el diseño de los personajes es francamente exquisito. Vamos a ello, manos a la obra.

El dibujo

La labor de Jacques Lamontagne no desentona en ningún momento con el estilo de una historia que busca, ante todo, entretener al lector desde el terror más infantil. El apartado gráfico tiene la fuerza suficiente como para que el solo disfrute de los dibujos, con el aspecto visual que solo el formato álbum puede ofrecernos, nos empuje hacia las primeras aventuras de este dúo de detectives adictos al ectoplasma. Particularmente me quedo con la habilidad de Lamontagne para configurar rostros con una versatilidad prodigiosa, dejando de lado los moldes y evitando, en la medida de lo posible, la repetición de las expresiones en los personaje. La novata Flora Vernet es una caja de sorpresas, cuyo diseño transmite fuerza, rigor pero también toda la sugerencia de una mujer de armas tomar.

Un adelanto del fantástico interior

No podemos dejar de mencionar el uso del color, clave para el tono aniñado del volumen. Verdes y rosas chillones inundan las viñetas donde se llevan a cabo los rituales y hacen presencia, valga la redundancia, las fantasmagóricas apariciones.

En la obra convive el tono de las novelas populares de la época con otros que no lo son tanto, construyendo un mestizaje bien equilibrado, entretenido, divertido y forzosamente siniestro. Si afinan el ojo, si es que todavía no se han dado cuenta, abundan las referencias al París de época, pero también a la literatura universal. ¿Quién es realmente Chevalier Auguste Dupin? Ni más ni menos que el singular detective creado por Edgar Allan Poe, protagonista de El crimen de la calle Morgue, de 1841.

La edición

El tomo contiene los dos primeros álbumes de Aspic, détectives de l’étrange, La naine aux ectoplasmes y L’or du vice, publicados originalmente por Quadrants entre marzo de 2010 y febrero de 2011. Como bien nos tiene acostumbrados, la edición de Yermo es impecable, aunque no vendría nada mal algo de contenido extra con material gráfico sobre el proceso creativo.

¡Vuelve el cómic francés a La Milana Bonita!

El uso de los colores en los cómics no es un tema sin importancia o valor, más bien diría que todo lo contrario, una pieza clave para decorar, contextualizar y dar vida a los cientos de mundos que se esconden en las viñetas. Jeph Loeb y Tim Sale, de los que ya hemos hablado alguna vez por aquí, decidieron ir más allá, cuando a principios del 2000, lanzaron al mercado las llamadas “series de colores”, un conjunto de historias situadas en los orígenes de los principales personajes Marvel con un color como principal excusa argumental. Daredevil: Yellow, Spider-Man: Blue y Hulk: Grey, hicieron las delicias entre los lectores del mundo, acumulando comentarios positivos sobre sus guiones, pero sobre todo recibiendo el aplauso por su llamativo apartado gráfico. Los colores, las emociones y algunos de los momentos más cruciales en las vidas de los héroes se habían reunido como nunca antes lo habían hecho. Más de diez años después, estas historias no han envejecido ni un ápice, siendo las tres totalmente recomendables.

Por otra parte, también hay algo profundamente evocador en eso del blanco y negro, motivo principal de esta reseña. Una capacidad que robamos a los daltónicos acromáticos para percibir el mundo con sus ojos.  Algo que, a priori, puede resultar poco atractivo para la mayoría. Quizás sea porque nos parece demasiado retro, casposo o, simplemente, innecesario cuando podemos disfrutar de la amplia gama del espectro de los colores. Algo así también pensarían los editores de DC por aquel entonces, hasta la llegada de Mark Chiarello, el responsable de dar luz verde al proyecto que terminó siendo un éxito arrollador de crítica: Batman Black And White, o sea Batman: Blanco y Negro. Dibujantes y guionistas de primera línea, desde Frank Miller, Brian Bolland a Walter Simonson (atención a su Batman futurista), colaboraron enviando sus historias para formar parte de esta gigantesca antología de relatos de ocho páginas. Y aunque semejante variedad nos podría espantar por su aparente desconexión, encontramos en ella su principal valedera para disfrutar de unos relatos independientes y autoconclusivos, que sirven para reinterpretar el mito del Murciélago por enésima vez. Ah, pero en blanco y negro y eso lo cambia todo.

Batman, de Brian Bolland.

¿Qué podemos encontrar en el volumen? Nada menos que veinte historietas guionizadas y dibujadas por los mejores. No hay una sola historia que desentone, todas aseguran narraciones de calidad con grandes sorpresas finales.

Top 5:

Un tipo inocente, de Brian Bolland: Si eres un enamorado del dibujo de La broma asesina, entonces tienes que leer esta breve historia guionizada también por el mítico dibujante. En ella se nos presentan las principales motivaciones de un ciudadano de a pie para matar a Batman. Me ha encantado.

Héroes: No podemos olvidar el premio Eisner 1997 a la mejor historia corta, de Archie Goodwin y el genial Gary Gianni. Una historia redonda acompañada de un dibujo desprolijo y un Batman muy pulp. Muy buena.

Creador de monstruos vale la pena por contar entre sus filas con el talento de Richard Corben, sí el autor de Creepy. La historia no sorprende demasiado, pero, como ya hemos dicho, el valor añadido de esta antología radica en el apartado gráfico y Corben no decepciona.

Batman es un detective para Ted McKeever en Luto a perpetuidad, una historia sin mayores pretensiones que profundizar en una de las facetas más emblemáticas del personaje, situándolo frente a frente con el cadáver de una joven. Me ha sorprendido gratamente el tono empleado en la narración, a medio camino entre el investigador y el poeta.

Y para terminar, les dejamos con La tercera máscara, de Katsuhiro Otomo: Como su título lo indica, el autor de Akira, ¡qué lujo!, nos deleita con un exquisito relato psicológico sobre el héroe. El dibujo un 10 y lo que plantea te deja con ganas de querer más. Aquí les dejamos con una muestra de su trabajo.

El autor de Akira y su versión del encapotado.